sábado, 4 de julio de 2015

miércoles, 1 de julio de 2015

Wassily Kandinsky




(Vasíli o Wassily Kandinsky; Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de origen ruso (nacionalizado alemán y posteriormente francés), destacado pionero y teórico del arte abstracto. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.

Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de Franz von Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.

Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial, y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal.

Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas.

Entre 1910 y 1914, Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores; en ellos todavía se percibe un poco la presencia de la realidad.

En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a su labor creativa, reflexionó sobre el arte y su estrecho vínculo con el yo interior en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual en el arte (1910) y el Almanaque de Der Blaue Reiter, en el que, junto a dibujos y grabados de miembros del grupo, aparecían otras manifestaciones artísticas, como partituras de Schönberg (Kandinsky mantuvo una constante y fructífera relación con la música durante toda su vida) y muestras del arte popular e infantil.

Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú; allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. En 1917 se casó con Nina Andreievsky, y cuatro años más tarde se trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución.

La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos circulares y concéntricos (Círculos, 1926). También escribió manifiestos para la Bauhaus y publicó el libro Punto y línea sobre el plano. En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se instaló en Francia. En esta última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos eslavos, como hiciera ya al comienzo de su trayectoria pictórica.

lunes, 29 de junio de 2015

Serie Cosmogenesis - Claudio Tomassini Pinturas


Francisco Céspedes









































Francisco Fabián Céspedes Rodríguez, más conocido por su nombre artístico Francisco Céspedes o amigablemente por Pancho Céspedes, es un cantante, músico y compositor nacido en 1957 en Santa Clara, (Cuba) y nacionalizado mexicano.
Saltó a la fama en 1997, con su álbum Vida loca, melodías que van desde la balada al bolero con un toque jazz.
Francisco Fabián Céspedes Rodríguez abandonó su carrera de medicina para concentrarse en la música. Por ello, durante varios años, formó parte de algunas agrupaciones cubanas como el grupo de Pucho López (con el que visitó España por primera vez a principios de la década de los 90's) y la Orquesta Cubana de Música Moderna, agrupación con la que cantaba temas tanto de su autoría como de "feeling" -un movimiento de música que surgió en Cuba, el cual es una mezcla de bolero con jazz y con el que se estuvieron presentado a lo largo de su país-, para finalmente llegar a México, donde decide radicar iniciando una carrera en la música.
En 1993, cuando Luis Miguel se encontraba seleccionando los temas que formarían parte de "Aries", éste decidió incluir la canción de autoría de Francisco Céspedes titulado “Pensar en ti”, una de la canciones más importantes de ese disco, iniciando así su primera etapa dentro de la música como compositor. Otro tema de Francisco Céspedes cantado por Luis Miguel en 1996 fue: "Qué tú te vas", mismo que formó parte del álbum "Nada es igual".
Participó como solista en el Festival de Viña del Mar 1997, representando a México con "Hablo de ti", una canción qua había escrito en Cuba años atrás y con la que logró el segundo lugar en tan afamado festival latinoamericano.
Después del éxito en el festival, Francisco Céspedes consigue grabó en 1997 su primer álbum como solista: Vida loca. En él mostraba todas las vivencias que había tenido en los últimos años, logrando un disco lleno de sensibilidad y amor que se convirtió en uno de los más exitosos en México, España, los Estados Unidos, Perú y Chile.
Durante 1998 y 1999, participó en la traducción de la película El príncipe de Egipto, con el personaje de Jetro y a la vez interpretó la canción Mirada celestial. Francisco Céspedes realizó una extensa gira visitando los países más importantes de Latinoamérica y España, país en el cual se presentó varias veces durante el mismo año debido al gran éxito que tuvo Vida loca, álbum con el cual obtuvo Quíntuple Disco de Platino en este país, así como 3 Premios Amigo como Mejor Artista Revelación Latino, Mejor Solista Masculino Latino y Mejor Álbum Latino, y un Premio Ondas: Artista Revelación Latino 1998; además realizó un dueto junto con Presuntos Implicados en la canción "Nadie como tú". En 2000, salió al mercado su álbum "¿Dónde está la vida?", que fue Disco de Platino por sus ventas en México y a nivel internacional alcanzó un importante éxito debido a que el sencillo de salida "¿Dónde está la vida?", fue emitido en la telenovela mexicana "La casa en la playa".
Entre marzo y septiembre de 2002, grabó "Ay Corazón", su tercer álbum de estudio, en Ciudad de México entre los meses de marzo y septiembre de 2002.
Para el año 2004, Francisco Céspedes sale sus Grandes Éxitos, "Dicen que el alma / Grandes Éxitos" dónde incluye dos temas nuevos: "Dicen que el alma" y su primer sencillo "Lloviendo ausencia". También como bonus incluye duetos de "Remolino" con Ana Belén y "Vida loca" con Milton Nascimento.
En 2005 Francisco Céspedes lanza al mercado su nuevo material discográfico titulado "Autorretrato". El subtítulo Okán Eyo, que en yoruba significa "cosas del corazón, problemas del alma", resume la esencia del álbum, incluyendo versiones de Bésame Mucho, entre otras.
Durante el año 2006 Francisco Céspedes regresa con un nuevo disco homenaje a Ignacio Villa, mejor conocido como “Bola de Nieve”.
Algunas de las canciones que hacen de este material inigualable son “Ay Amor”, “Vete De Mí”, “No Puedo Ser Feliz”, “Drume Negrita”, “Adiós Felicidad”.
Este nuevo material de Francisco Céspedes también incluye un DVD con un documental donde se muestra el proceso de grabación de un disco de esta complexión y la actualidad muchos artistas cubanos que viven fuera de la isla.

Con el permiso de Bola obtuvo nominación a Grammy en el año 2007, en septiembre del mismo año este material se hace acreedor al premio orgullo latino.
Para el 23 de junio de 2009 salió a la venta el material llamado “Te acuerdas…”, con las colaboraciones de Gonzalo Rubalcaba tocando el piano, Ignacio Berroa en la batería, Armando Gola en el bajo y Richard Galliano en el acordeón, entre otros músicos. En el año 2009, pone sus huellas en el paseo de la Fama en México y recibe la nominación a los premios OYE, como Artista Masculino del año y este disco "Te Acuerdas..." es nominado a los GRAMMY y GRAMMY LATINO.
Participó por segunda vez, en la traducción de otra película pero esta vez de Disney titulada La princesa y el sapo prestando su voz a Louis, un lagarto trompetista y amante del jazz que vive en el pantano.1 28 de febrero de 2011 FRANCISCO CÉSPEDES PRESENTO SU ÁLBUM(DVD-CD) EN VIVO: TITULADO”MAS CERCA DE TI” • El concierto fue grabado en vivo desde un pequeño bar en Monterrey, Nuevo León. Saldrá a la venta en formato de CD+DVD que contiene 18 temas. El nuevo álbum de Francisco Céspedes El concierto fue grabado en vivo desde un pequeño bar en Monterrey, Nuevo León y estará a la venta el próximo 28 de febrero en formato de CD+DVD.
Este material incluye dieciocho temas, entre los que se encuentran catorce de las canciones que lo han llevado a la cima como “Donde está la vida”, “Pensar en ti”, “Nadie como tú”, “Morena”, “Señora” y “Vida loca”. En este álbum además hay cuatro temas inéditos, que son “Dime tú”, “Parece que”, “Ya no es lo mismo” y “Si no fuera por ti”, que fueron estrenados la noche en la que se grabó este concierto.
Más Cerca de Ti, fue producido por Aneiro Taño , Jorge Avedaño y Francisco Céspedes; al respecto de este lanzamiento, el propio cantautor escribió unas palabras:
“El Día de San Valentín me quedé dormido al empezar a escribir las palabras para este DVD-CD y tuve un sueño un poco raro. Estábamos Aneiro Taño, Bola de Nieve, Gonzalito Rubalcaba, Raúl del Sol, la gente de la peña de Payrol en Santa Clara, Amaury, David y otros que no recuerdo, jugando domino en el centro de un estadio de fútbol, en donde cada vez que uno ganaba una mano, se escuchaban miles de voces gritando 'Vida loca', 'Señora', 'Remolino' [y] 'La flor de la canela' hasta que alguien grito 'jon ron', y me quedaba solo con dos pianos y una trompeta caídos desde el cielo, que sin dejar de tocar una música maravillosa, se dejaban abrazar por todo mi agradecimiento. Se trataba de Chilo Morán, Jorge Aragón y Eugenio Toussaint. Al despertar sólo me quedó por dar gracias a Dios; el que está en ustedes y en mí, quién ha querido a esta música, a esta banda que me acompaña; a los que hemos trabajado y, sobre todo, los que hoy están conmigo, a ti mi Mariana, a ti mi corazón Diego y bueno, mejor vamos a disfrutar esta descarga bohemia porque así puedo estar... Más Cerca de Ti."
Pancho Céspedes terminó de grabar un disco a dúo con el maestro Armando Manzanero "Armando un Pancho". El Maestro Manzanero cantando las canciones de Céspedes y Céspedes cantando las canciones de Manzanero. Pancho Cespedes ha colaborado varias veces con el poeta y escritor cubano americano Carlos Pintado en diferentes proyectos y presentaciones destacándose, entre muchas, una aparacion en la Feria Internacional del Libro de Miami 2012.

Francisco Céspedes, mejor conocido como “Pancho” Céspedes, regresará durante el 2015 con nuevo material discográfico del cuál el mismo fungirá como productor ejecutivo y junto con Aneiro Taño, trabajarán en nuevas canciones que verán la luz entre los meses de mayo y junio




domingo, 28 de junio de 2015

Monte Hermoso - Claudio Tomassini Fotografía



































El balneario esta ubicado sobre la costa Atlántica al sur de la Provincia de Buenos Aires, a lo 38° 59' 33" latitud sur y a 61° 15' 55" longitud oeste. Limita al sur con el océano Atlántico, al norte con el partido de Coronel Dorrego, al oeste con el partido de Coronel de Marina Leonardo Rosales. Se accede por la ruta nacional Nº3, que luego empalma con la ruta Provincial Nº78, también asfaltada, en su tramo de 26 Km.
l atractivo más importante que posee Monte Hermoso es su extensa playa de finas arenas que se prolonga a lo largo de 32 km. con un declive muy suave.

Por su ubicación geográfica (de este a oeste) es la única en el país donde el sol nace y se pone en mar, esta característica le permite al visitante permanecer durante más tiempo sin conos de sombras.

La temperatura de sus aguas superior en 5 grados a las de otras playas también la diferencian con otros balnearios.

Sin dudas su gran extensión, la calidez de sus aguas y la seguridad de su costa hacen del lugar la mejor opción, donde la familia encontrará el destino apropiado para disfrutar las vacaciones.

Serie Cosmogenesis - Claudio Tomassini Pinturas




viernes, 26 de junio de 2015

Frescos de Soldi en la Iglesia de Santa Ana (Glew)














































La iglesia "Santa Ana" de encuentra en la localidad bonaerense de Glew, en la intersección de las calles Aristóbulo del Valle y Raúl Soldi. Su fundadora y benefactora fue Vicenta del Castillo de Calvo, con su patrocinio se inició el trabajo de construcción en el año 1904, por el constructor Pablo Regazzoni.

Con el aumento de la población en Glew se hizo necesaria la construcción de una capilla propia, ya que hasta ese momento los fieles debía trasladarse a Ministro Rivadavia o a San Vicente. La señora del Castillo de Calvo no vio terminada su obra, pues falleció en el mismo año en que se colocaron los primeros ladrillos del templo. Continuó el patrocinio y auspicio de la obra hasta su finalización, Nicanor Ezeiza. La iglesia se inauguró en 1905, el pueblo se llamaba entonces Cambaceres; siendo capilla era atendida por la Vicaría de Ministro Rivadavia. El último en atenderla fue el Padre Joaquín Cùfari, con quien se dieron los primeros bautismos que figuran en las actas parroquiales en 1935, y los primeros casamientos en 1936.

El templo es un rectángulo severo de 23 metros de largo por 8 de ancho. A gran altura iluminan seis claraboyas sobre los costados, cubiertas por cristales azules y blancos. En las paredes internas hay arcos de 5 por 3 metros, limitadas por pilastras, que actualmente tiene sus famosos murales. Adosada al atrio de 2 por 9 metros se alza la fachada de reminiscencias neoclásicas que se cierra en un tímpano con un rosetón de cristales policromados. Su estructura de ladrillos rojos está rematada por una espadaña con su campanil místico en el centro; tiene techo a dos aguas con el interior abovedado. El altar se encuentra separado de la nave por una baranda de hierro.

En los bancos figuran los nombres de quienes concurrieron con su fe y su óbolo para vestir el templo: Calvo, Eguiabhare, Poggio, Torliaschi, Etchecourt, Blanco, Grosso, De Garin, Burzaco, Moirten, Iribarne.
La capilla Santa Ana de la ciudad de Glew guarda una de las páginas más reconocidas de la pinacoteca argentina. Los memoriosos sostienen que la historia de la capilla y estos frescos comenzó a principios de los años 1950s, cuando el pintor Raúl Soldi conoció el pueblo y se enamoró de él a primera vista. Le gustaron, dicen, las calles mansas y tranquilas, apenas alteradas, cada tanto, por el paso de sulkies. Los murales de la iglesia con su antiguo campanario en pie habían sido inaugurados en 1905. Hoy, al entrar en la capilla se percibe el aroma a hierbas que inunda el lugar. Matices pastel y azules ultramar intensos.

Cuando a Soldi se le ocurrió pintar la capilla estaba a cargo el Párroco Padre Jerónimo Kadlec. La capilla en ese entonces estaba llena de santos de palo, y Soldi lo convenció de que los frescos iban a quedar mejor. El entusiasmo de Soldi contagió al presbítero y se hicieron los trámites correspondientes en la Curia de la Plata para pintar la iglesia, tarea que comienza en 1953; incluso el padre Jerónimo lo ayudó. Veintitrés veranos fue lo que el artista dedicó a esta obra. Soldi comenzaba a trabajar a las siete de la mañana hasta que caía la tarde, alrededor de ocho horas diarias, en un andamio rudimentario. Le producía mucho placer ese trabajo, y cuenta que a veces venia un fraile, amigo del párroco, que era músico y poeta y mientras él pintaba le leía poemas en voz alta y también hacía música en el órgano. Soldi pintó a este fraile -después de su muerte- y dijo: “su rostro ha quedado arriba, pintado en el coro, como yo lo veía, dorado por la luz cálida del verano, en las tardes apacibles y aldeanas, cuando los seres y las cosas parecían tocados por la gracia de Dios“.

El tema principal es la vida de Santa Ana, madre de María, pero el escenario donde se desarrollan las escenas es el mismo pueblo. El nacimiento de la Virgen tiene lugar en el patio de una casa que está en la esquina de la iglesia. Soldi pintó molinos y animales. Las figuras de los frescos son más de sesenta y hay unos doscientos cincuenta metros cuadrados pintados con frescos. El altar mayor ha sido decorado con tres nichos del lado izquierdo del altar, el coro dos partes con una gran ojiva en el medio y otros dos frescos a los costados de la escalera. Arriba, en el coro, se encuentra la figura del fraile poeta, a su lado el párroco, y el monaguillo de entonces. Santa Cecilia, que está sentada al órgano, es la muchacha que cantaba en la misa de los domingos. Otras de las figura son una amiga de su esposa, por la cual conoció el pueblo y la persona que realizaba la limpieza.








domingo, 21 de junio de 2015

El Inicio del Color - Serie Cosmogenesis - Claudio Tomassini Pinturas




























Nombre: El Inicio del Color 
Medidas: 150cm x 100cm
Técnica: Acrilico sobre lienzo 


La palabra color viene del Latin color. La palabra “color” proviene de “celare”. Ella se traduce como “cubrir” u "ocultar". Así, color originalmente significaba una cobertura o velo, de ahí los 7 velos o colores del arcoiris. La palabra latina color viene de una raíz indoeuropea kel ocultar. La idea paso de ocultar a un matiz que cubre, después simplemente a matiz y finalmente a la frecuencia de los rayos luminosos que percibimos por medio de los ojos (todo este mundo es ilusión según los indues ya que nosotros percibimos el color resultante del choque de la luz con la materia)

"Color" es una palabra del latín. Deriva del latín antiguo "colos" que significa "cubrir" o "una cubierta"
Por lo tanto color es aquello que oculta .Es simplemente el medio objetivo por el cual se transmite la fuerza Interna, y constituye el reflejo, sobre la materia del tipo de influencia que emana del Logos y ha penetrado en la parte mas densa de Su sistema Solar


color. (Del lat. color, -ōris). m. Sensación producida por los rayos luminosos que impresionan los órganos visuales y que depende de la longitud de onda. U. t. c. f. || 2. color natural de la tez humana. || 3. Sustancia preparada para pintar o teñir. || 4. colorido (ǁ de una pintura). || 5. Carácter peculiar de algunas cosas. || 6. Cualidad especial que distingue el estilo. Pintó con colores trágicos o sombríos. Tal actor dio a su papel un nuevo color. || 7. Matiz de opinión o fracción política. Fulano pertenece a este o al otro color. Gobierno de un solo color. || 8. Fís. Propiedad de la luz transmitida, reflejada o emitida por un objeto, que depende de su longitud de onda. || 9. Heráld. Cada uno de los cinco colores heráldicos. || 10. p. us. Pretexto, motivo, razón aparente para hacer algo. || 11. colores que una entidad, equipo o club de carácter deportivo adopta como símbolos propios en su bandera y en los uniformes de sus atletas o jugadores. || 12. Entidad, equipo o club que ha adoptado dichos colores. || ~ del espectro solar, ~ del iris, o ~ elemental. m. Fís. Cada una de las siete radiaciones en que se descompone la luz blanca del Sol al atravesar un prisma óptico, es decir, rojo, anaranjado, amarillo, verde, azul, añil y violado. || ~ local. m. Rasgos peculiares de una región o lugar, de carácter popular y pintoresco. En ninguna parte encontrará el viajero más color local que en el Albaicín. || ~es complementarios. m. pl. Fís. Los colores puros que, reunidos por ciertos procedimientos, dan el color blanco. || ~es litúrgicos. m. pl. Los que, según el calendario litúrgico, usa la Iglesia católica en los oficios. || ~es nacionales. m. pl. Los que adopta como distintivo cada nación y usa en su pabellón, banderas y escarapelas. || dar ~, o ~es. frs. pintar (ǁ cubrir con un color una superficie). || de ~. loc. adj. Dicho de una tela o de un vestido: Que no es negro, blanco ni gris. || 2. Dicho de una persona: Que no pertenece a la raza blanca, y más especialmente que es negra o mulata. Gente de color. Hombres de color. || distinguir de ~es. fr. coloq. Tener discreción para no confundir cosas ni personas y darles su peculiar estimación. La violencia no distingue colores. || en ~. loc. adj. Dicho especialmente de una película, de una fotografía o de un televisor: Que reproduce los colores. || 2. loc. adv. Con colores. Garantizó que las fotos saldrían en color. || haber ~. fr. coloq. Existir animación, interés, satisfacción, etc., en competiciones, festejos, reuniones, etc. || jugar a los ~es. fr. Practicar cierto juego de sala en el siglo XVII cuyo premio era una cinta que daba la dama al galán. || meter en ~. fr. Pint. Sentar los colores y tintas de una pintura. || mudar alguien de ~. fr. coloq. Alterarse, mostrándolo en un cambio del rostro. || no haber ~. expr. No admitir comparación algo con otra cosa que es mucho mejor. || perder el ~. fr. coloq. Decaer el color natural, o deslucirlo. || pintar algo con negros ~es. fr. Considerarlo melancólicamente o con un aspecto negativo. || ponerse alguien de mil ~es. fr. coloq. Mudársele el color del rostro por vergüenza o cólera reprimida. || robar el ~. fr. Hacer perder el color. || sacarle a alguien los ~es, o sacarle los ~es a la cara, o al rostro. frs. Sonrojarle, avergonzarle. || salirle a alguien los ~es, o salirle los ~es a la cara, o al rostro. frs. Ponerse colorado de vergüenza. || so ~. loc. adv. Con, o bajo, pretexto. || tener ~. fr. coloq. haber color. || tomar ~. fr. Dicho de algunos frutos y, por ext., de otras cosas: Empezar a madurar. || tomar algo el ~. fr. Teñirse o impregnarse bien de él. || un ~ se le iba y otro se le venía. expr. coloq. Denota la turbación de ánimo. || ver de ~ de rosa algo. fr. coloq. Considerarlo de un modo halagüeño. □ V. degradación de ~, escalera de ~, lápiz de ~, pez de ~es, vidriera de ~es. 


El color destaca su presencia cotidiana en todo lo que rodea al hombre, se prodiga tanto en los objetos de creación humana como en la naturaleza. 

Desde las etapas más tempranas de la cultura humana el hombre hizo uso consciente y variado del color, lo aplicó sobre las superficies rocosas de las cavernas e incluso, sobre su propia piel. Los servicios que el color ha brindado recorren una amplia gama de funciones, desde cubrir la superficie de un objeto, hasta representar simbólicamente una idea o un concepto. 

En todos los tiempos y pueblos de la tierra se ha evidenciado lo mucho que los colores han fijado la atención del hombre. El salvaje pinta su cuerpo y armas con los colores más vivos que tiene a mano, utiliza las plumas de más brillantes matices y se desvive por las piedras preciosas y metales relucientes. Todos los pueblos, desde las edades más remotas, han procurado una vez establecidos en una región adornar con colores apropiados sus templos y sus monumentos. 

Hoy maravillan todavía los prodigios que en este arte decorativo realizaron los asirios y babilonios, y sobre todo los egipcios. Sorprende los numerosos productos colorantes que conocían y su habilísima manera de prepararlos para darles viveza, realce y hacerlos inalterables. Los egipcios conocían una técnica llamada de mordiente, a través de la cual conseguían teñir un tejido con matices diferentes empleando una misma materia colorante. 

Muchos de estos secretos de la antigüedad se han perdido, y hoy día no se saben preparar muchísimos de los tintes que para la decoración de las piedras, mosaicos y tejidos usaron los antiguos, como no se conocen las maneras que tenían de preparar muchos de sus brillantísimos colores los antiguos mexicanos y peruanos. 

Muchas de estas materias colorantes llegan a alcanzar una fama imperecedera, cual sucedió en la célebre púrpura de Tino, cuya verdadera preparación hoy se desconoce, se sabe únicamente que las había de varias especies y que procedían de materias colorantes suministradas por ciertos moluscos, es muy probable que entrasen también en la preparación algunas sustancias vegetales. 

El número de productos colorantes que los antiguos conocían y preparaban eran, sí se han de crear ciertas relaciones, muy superior a los que actualmente se emplean, a pesar de los grandes progresos que las industrias ofrecen. 

Entre las materias colorantes más antiguamente empleadas figura el bermellón, el Minio del cual cita el químico Plinio dos especies, el hysginum que era probablemente la hierba pastel, el indicum o indigo [añil], la orchilla, citado por Teófrasto y cuyo uso no se conoció en la Europa Occidental hasta 1300 que la introdujo Federico Oricellai; los carbonatos y acetatos de cobre, el azul de Alejandría, que era también un ácido cuprido, la cochinilla, y con la cual obtenían los Griegos y árabes preciosos matices de escarlata, y que no fue conocida, sin embargo, por los europeos de occidente hasta la época de Carlos I de España. 

El Arte decorativo egipcio cuenta por muchos centenarios de diversos productos colorantes que empleaban, muchos de los cuales conservaban los griegos, y más de 300.000 matices diferentes se dice que pueden distinguirse en los mosaicos romanos. 

El Arte Árabe ofrece ejemplares que solo pueden imitarse aproximadamente pero de ningún modo igualar en brillo y en fijeza. Pinturas pompeyanas existen donde se conservan prodigiosamente los colores. 

Es de notar que de los colores que se utilizaron en la antigüedad, solo han podido llegar hasta nuestros días los referentes a la decoración de las piedras, de cerámica etcétera, habiendo perdido los empleados en los vestidos, madera etc. 

Los objetos de esta clase más antiguo que se conocen no se remontan a más de diez o doce siglos, pero ya se advierten, sin embargo en ellos notables diferencias con la actualidad. 

El descubrimiento de América y las mayores facilidades para la comunicación con las indias orientales dieron a Europa muchas materias colorantes, especialmente de origen vegetal. En el siglo XVI se descubrió el azul cobalto, en el siglo XVIII el azul Prusia, y por último en el siglo XIX los materiales colorantes llamados artificiales, derivados del alquitrán de la hulla que superan en riqueza y brillantes de matices a todos los conocidos anteriormente. En el siglo XX con el adelanto de la ciencia y la técnica se han descubierto nuevos colorantes resistentes al agua y al medio ambiente utilizado en técnicas como el óleo, la acuarela, el guache, y el acrílico descubierto en los finales de la primera mitad del siglo XX y otro materiales plásticos y sintéticos que ayudan a la creación y ejecución de las diferentes obras por parte de los artistas. 

Difícil es poder decir los medios empleados por los antiguos para sus pinturas a simple vista sin un análisis científico de la obra. En la antigüedad los términos artes y ciencia se veían como dos términos opuestos en la actualidad se estrechan para vincularse y utilizar la ciencia al servicio del arte. Técnicas como la prueba del alcohol, la aguja hipodérmica, los rayos x, rayos infrarrojos y el micro fluorescencia x permiten descubrir, circunscribir y fotografiar las restauraciones, investigar las técnicas del artista y su época, no solo para analizar los materiales sino captar la característica de su envejecimiento. 

En las pinturas góticas de una finura extremada, nunca se encuentran las huellas del pincel; muy al contrario, los retablos presentan siempre una superficie tersa y lisa que parece un esmalte. Esto viene a probar que no empleaban los pintores artista de aquellos siglos el aceite de linaza fresco y fluido, como hoy se emplea, sino que ante era espesado, ya por medio de mezclas resinosas, ya por una cocción análoga a lo que se verifica en el siglo XIX para preparar los aceites para las tintas de imprentas. Los pigmentos de los cuadros de cinco siglos anteriores al actual se ven hoy inalterables y brillantes, debido, al cuidado que tenían en escoger los materiales colorantes puros y los aceites en su grado extremo de pureza, sino también a los barnices con que cubrían los retablos y telas, no es de extrañar que tal cuidado tuviera en elección de los materiales pictóricos cuando preferían a la tela la madera de roble o peral bien escogida y preparada de antemano. Los antiguos casi nunca mezclaban colores heterogéneos por el temor de que se alterasen al contacto uno con otro. Solo por necesidad extrema sé veían obligados a hacer algunas mezclas. 

En las antiguas pinturas y entre estas las mejores se notan siempre una diferencia con las modernas, y es que el grueso de color es casi inapreciable, cuando en estos días la pintura llega a formar sobre la tela algunos milímetros de espesor. Esto exigía o una gran habilidad del pintor, que de una vez debían dejar ya las tintas en el estado deseado, o bien una preparación previa del cuadro por medio de un lavado con los colores a la acuarela. 

Por los demás, los colores han tenidos siempre su significado particular: 

En la antigüedad el verde, el rojo, el azul y el blanco representaban simbólicamente los cuatros elementos, o sea, por su orden respectivo, la tierra, el fuego, el agua y el aire. También expresaban las cuatros estaciones. 

El amarillo servía de emblema a las razas serviles y degradadas, por lo que con dicho color se pintaban las habitaciones de los esclavos. En la estatuaria emplearon colores alegóricos: así como a Júpiter se le vestía de rojo, a Neptuno de verde, etc. 

sábado, 20 de junio de 2015

Día de la Bandera








































El 20 de junio de 1820 moría en Buenos Aires Manuel Belgrano en la pobreza extrema, asolado por la guerra civil. Además de ser el creador de la bandera, Belgrano fue uno de los más notables economistas argentinos, precursor del periodismo nacional, impulsor de la educación popular, la industria nacional y la justicia social, entre otras muchas cosas. Las ideas innovadoras de Belgrano quedarán reflejadas en sus informes anuales del Consulado. Hemos elegido para recordarlo en esta fecha una de sus preocupaciones centrales en materia económica: el fomento de la agricultura y de la industria.
El Congreso Nacional sancionó en 1938 la Ley 12.361 que establece el 20 de junio, aniversario del fallecimiento de Manuel Belgrano, como Día de la Bandera. La enseña patria, creada por Belgrano, fue enarbolada por primera vez en Rosario, a la vera del río Paraná, el 27 de febrero de 1812. La bandera fue confeccionada por María Catalina Echevarría de Vidal.
El Monumento
A orillas del río Paraná, en el lugar donde el 27 de febrero de 1812 Manuel Belgrano enarboló por primera vez la bandera argentina, es erigido en 1957, un monumento, obra de los arquitectos Angel Guido y Alejandro Bustillo, que en su conjunto simboliza la nave de la Patria surcando las aguas del mar de la eternidad en procura de un destino glorioso.











Belgrano
Abogado, militar y economista, fue uno de los principales dirigentes de la Revolución de Mayo de 1810, activo impulsor de la emancipación nacional y combatiente en las guerras de la independencia.
Al frente del Ejército del Norte venció en las estratégicas batallas de Salta y Tucumán, que salvaron al gobierno revolucionario, aunque no pudo lograr el objetivo de liberar a las provincias del Alto Perú, en la actualidad, Bolivia.
Integrante de la Primera Junta de gobierno, tuvo gran influencia en el Congreso de Tucumán, donde abogó por el establecimiento de un régimen monárquico sudamericano con sede en Cusco y la coronación como soberano de un descendiente de la nobleza incaica.
Belgrano fue colaborador del periódico porteño Telégrafo Mercantil y del Semanario de Agricultura, Comercio e Industria, dirigido por Hipólito Vieytes, donde expuso sus ideas proteccionistas e industrialistas y fue autor de una interesante "Autobiografía".
Hombre de una honestidad ejemplar y firme carácter, principal ideólogo del sector más decidido de la Junta de Mayo, su deceso pasó inadvertido y tan sólo unos pocos deudos asistieron a su sepelio, lo que despertó las iras del padre Castañeda, única voz que en ese momento se alzó públicamente en su recuerdo y defensa.
Su decisiva importancia política en el proceso emancipatorio argentino fue menoscabada por la historia oficial, que lo caracterizaba como una figura simpática, aunque torpe y algo pusilánime, cuyo principal mérito habría sido la creación de la enseña patria, que contrariando las órdenes del Triunvirato, Belgrano enarboló por primera vez el 27 de febrero de 1812. Había nacido en Buenos Aires el 3 de junio de 1770.



























sábado, 13 de junio de 2015

Sergio Renán







































Sergio Renán, nombre artístico de Samuel Kohan (Buenos Aires, 30 de enero de 1933 - Buenos Aires, 13 de junio de 2015), fue un actor, director de cine, teatro y ópera ("regisseur") argentino.

Su verdadero nombre era Samuel Kohan y fue hijo de inmigrantes judíos asentados originariamente en las colonias agrícolas de la provincia de Entre Ríos, de donde era oriundo.

Como director de cine ha realizado nueve películas, entre las que se destaca La tregua (1974), la primera película argentina nominada para el Oscar a Mejor Película en Lengua extranjera. En 1981 recibió el Diploma de Honor en los Premios Konex, como director de cine. Como director de teatro se destacan sus puestas en escena de Las criadas de Jean Genet en 1970, Drácula de Bram Stoker en 1980, Madame Butterfly, Ha llegado un inspector de J. B. Priestley en 1998 y Un enemigo del pueblo de Henrik Ibsen (2007), entre otras.

Como actor realizó trabajos memorables, como en en la película El poder de las tinieblas (1979) de Mario Sabato, o en Los siete Locos (1973), interpretando el notable personaje de Roberto Arlt, el Rufián Melancólico. En televisión dirigió "Las grandes novelas" por Canal 7, teatralizando a grandes novelistas de la literatura universal, como Antón Chéjov, Honoré Balzac, Fiódor Dostoyevski, Charles Dickens, Gustave Flaubert, Wilkie Collins, Guy de Maupassant, León Tolstói, Émile Zola, Stendhal, Henry James y Oscar Wilde.

Como director de ópera ha presentado en el Teatro Colón de Buenos Aires, Manon de Massenet (1984); Rigoletto (1986) y Otello de Verdi (1987); Cosi fan tutte (1990), Le nozze di Figaro (1991, 1992, 1993), y Don Giovanni de Mozart (1993); Lady Macbeth de Mtsensk de Shostakovich (2001); Die Zauberföte de Mozart (2011), La Cenerentola de Rossini (2013), así como su producción postrera, L'elisir d'amore de Donizetti (2015).

Se desempeñó como director del Teatro Colón (1989-1996, y brevemente en 2000), y como director del Fondo Nacional de las Artes de la República Argentina. En 2000 dirigió en el Teatro Real de Madrid una innovadora puesta de la ópera Lady Macbeth de Mtsensk de Dimitri Shostakovich, con la dirección orquestal de Mstislav Rostropóvich.

Falleció en la madrugada del sábado 13 de junio de 2015, luego de estar internado por varias semanas a causa de infecciones respiratorias. Fue velado en el Teatro Colón de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.



martes, 9 de junio de 2015

Gianna Nannini








































Gianna Nannini (n. Siena, Italia, 14 de junio de 1956) es una cantante y compositora italiana de música rock. Es una de las más importantes representantes del Música rock italiano con temas tan célebres como «Bello e impossibile», «Aria», «Profumo», «Centomila», «Ragazzo dell'Europa», «Sei nell'anima», «I maschi», «Io», «Meravigliosa creatura» y muchos más. Se hizo mundialmente conocida por cantar junto con el cantautor italiano Edoardo Bennato, la canción «Un'estate italiana», (Un verano italiano), himno oficial de la Copa Mundial de Fútbol de 1990. Es la hermana mayor del ex piloto de Fórmula 1, llamado Alessandro Nannini.

Nacida en Siena, en el barrio de la Oca. Estudió piano en el Conservatorio de Lucca y después se mudó a Milán para dedicarse exclusivamente a su carrera musical. En 1976 publicó su primer álbum con la discográfica Ricordi aunque el primer éxito lo obtuvo con el single América, incluido en el álbum "California" y que abrió a la cantante el mercado intercontinental. Sobre todo gracias a la colaboración con el productor Conny Plank, con quien participó en la banda sonora de Sconcerto rock, y Latin Lover, un gran éxito internacional, donde el rock de Nannini llegó a ser mucho más Europeo.

El fenómeno comienza en 1984, año en el cual sale "Puzzle", su sexto disco. Realizó el vídeo de «Fotoromanza», para después partir con una gira europea de gran éxito. Entre otros, participó en el Festival de Jazz de Montreux. Entre agosto y octubre estuvo en gira en las mayores ciudades italianas, unos 40 conciertos, con un total de aproximadamente 300.000 espectadores. Fotoromanza, ayudado por el vídeo, saltó al primer puesto de la clasificación por dos meses, mientras Puzzle estuvo durante seis meses entre los diez primeros puestos de la lista italiana de álbumes. El disco estuvo también en los primeros puestos de las listas de Alemania, Austria y Suiza (donde Gianna recibiría el disco de oro). Con la misma canción, Gianna vence el Festivalbar.

En 1986, sale el álbum Profumo con el cual, con la canción «Bello e impossibile», consiguió dos discos de platino en Italia, el disco de oro en Alemania y el de platino en Austria y Suiza. Al año siguiente, la compilación Maschi e altri vendió otro millón de copias. En 1990 grabó la canción «Un'estate italiana», famosa canción del mundial Italia`90. Gracias a esta composición, se dio a conocer en todo el mundo.

Se licenció en 1994 en la Facultad de Letras y Filosofía de la Universidad de Siena con las notas más altas de la promoción. Al año siguiente apareció en un balcón del Palacio Farnese, sede de la embajada Francesa, e improvisó un concierto en protesta contra la decisión del gobierno francés de reanudar los experimentos nucleares en el atolón de Mururoa

http://www.giannanannini.com/



lunes, 8 de junio de 2015

Filippo Brunelleschi


























Cúpula de la Catedral de Florencia o Santa María de las Flores.


(Florencia, 1377-id., 1445) Arquitecto y escultor italiano. Fue el arquitecto italiano más famoso del siglo XV y, con Alberti, Donatello y Masaccio, uno de los creadores del estilo renacentista. Se formó como escultor y orfebre e inició su carrera en el ámbito de la escultura. No es de extrañar, por tanto, que participara en el concurso para la realización de las puertas del baptisterio de Florencia en 1401, certamen en el que quedó segundo, después de Ghiberti. Se dice que su decepción por este relativo fracaso fue tal que en lo sucesivo decidió dedicarse casi exclusivamente a la arquitectura.

Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino, además de llevarle al descubrimiento de la perspectiva, la clave del arte del Renacimiento. A Brunelleschi se debe, de hecho, la formulación de las leyes de la perspectiva central, tal como afirma Alberti en su famoso tratado Della pintura.

Pero en su época, su fama estuvo asociada, sobre todo, a la cúpula de la catedral de su ciudad natal, Florencia, ya que sus conocimientos de ingeniería le permitieron solventar los problemas, en apariencia insolubles, de la construcción de dicha cúpula, por lo que sus conciudadanos lo reverenciaron. De hecho, en la actualidad la cúpula continúa siendo su obra más admirada.

A partir de los monumentos clásicos y de las realizaciones del románico toscano, creó un estilo arquitectónico muy personal, en el que desempeñan un papel fundamental las matemáticas, las proporciones y los juegos de perspectiva. En todos los edificios que llevan su firma, las partes se relacionan entre sí y con el todo mediante fórmulas matemáticas, de manera que, por ejemplo, una sección es la mitad o la cuarta parte del todo, etc.

También entran en juego las combinaciones de diferentes figuras geométricas (cuadrado, círculo, triángulo), ya que para Brunelleschi, como buen renacentista, la estética no era un juego de azar sino el resultado de la correcta aplicación de una serie de leyes preestablecidas. Precisamente por ello, sus edificios no son aptos para suscitar emociones sino para intentar comprender fría y racionalmente las leyes que el artista quiso plasmar a través de sus realizaciones.

Su arquitectura elegante y moderadamente ornamental queda compendiada a la perfección en dos espléndidas creaciones: la capilla Pazzi y la Sacristía Vieja de San Lorenzo. Son dos obras de planta central, basadas en la armonía visual y en la alternancia, característica del artista, entre arenisca gris y estuco blanco. Pese a la importancia de su figura, la influencia de Brunelleschi en las generaciones posteriores fue muy limitada. Sin embargo, quien sin duda se inspiró de algún modo en él para sus realizaciones arquitectónicas fue Miguel Ángel.

Sus obras más notables son:

Cúpula de la Catedral de Florencia o Santa María de las Flores.

Es su obra más famosa. Esta enorme cúpula no sólo destaca sobre el conjunto de la iglesia sino que es una referencia visual en toda la ciudad de Florencia.

La catedral de Florencia es gótica y fue realizada por Arnolfo di Cambio, pero estaba sin concluir pues se encontraba sin abovedar el crucero.

Por la altura del edificio, la cúpula que cubriera dicho crucero no podía ser totalmente semiesférica por posibles problemas en el sistema de empujes y contrarrestos. La solución que llevó a cabo Brunelleschi fue una cúpula en forma de curva parabólica, que en realidad esta formada por dos: una inferior, y otra exterior, de ladrillo y dividida en tramos a modo de gajos.

La distancia entre ambas cúpulas se mantiene siempre constante. Por su casquete alargado recuerda al gótico. Está construida sobre un tambor poligonal (octógono) decorado con mármoles. En cada uno de los lados se abren ventanas circulares.

Basílica de San Lorenzo de Florencia

Inspirada en las basílicas paleocristianas que Brunelleschi estudío, se trata de un templo con planta de cruz latina de tres naves, planteada bajo un esquema 2-1, es decir con la nave central más alta y ancha.

En el interior, la nave central tiene cubierta adintelada con casetones y las laterales bóveda de arista. La separación de las naves se establece mediante columnas de orden compuesto y sobre ellas entablamento en el que descarga cada arco de medio punto.

En el crucero dispuso de cúpula como abovedamiento. 
Brunelleschi busca en esta iglesia básicamente dos aspectos:

Horizontalidad: Se emplean elementos arquitectónicos que refuerzan la sensación de horizontalidad, como los entablamentos, la cubierta plana de la nave central, etc.
Armonía: Busca la armonía empleando criterios geométricos. Por ejemplo establece formas cúbicas ya que altura de las columnas es idéntica a la distancia entre columnas contiguas y entre éstas y los muros de las naves laterales.
También citaremos aquí la Basílica del Espíritu Santo, que es similar a la anterior.

Palacio Pitti

La importancia del Palacio Pitti de Filippo Brunelleschi es que en él el autor establece el modelo renacentista de palacio que fue ampliamente seguido por sus discípulos, como ocurre en el caso del Palacio Médici- Ricardi, obra de Michelozzo di Bartolomeo.

El aspecto externo es casi de una fortaleza. Tiene planta en cuadrilátero en que las dependencias se construyen en torno a un patio. Muestra una tendencia a la horizontalidad mediante una superposición de tres pisos o cuerpos.

El muro está muy articulado mediante balaustradas. Se emplean para los muros sillares almohadillados, que va siendo más plano a mediad que se gana altura. Los vano con arco de medio punto constitudios por dovelas almohadilladas. Las ventanas llevan frontón.

Fachada del Hospital de los Inocentes

Se trata de un edificio de gran horizontalidad. En el cuerpo inferior se dispone de un pórtico con arcos de medio punto sobre columnas corintias, que se despega visualmente de la construcción. En las enjutas de los arcos hay tondos o medallones policromados con figuras blancas (bebés que piden) sobre fondo azul.

Es el único elemento figurativo, ya que Brunelleschi desnuda esta fachada del Hospital de los Inocentes del resto de elementos decorativos.

Capilla Pazzi

La Capilla Pazzi es ua obra de plena concepción renacentista. Es de planta cuadrada cubierta con cúpula, donde se da la interacción del espacio cuadrado con cubierta circular.

La fachada se articula mediante un pórtico con columnas por el que se accede a la construcción, que combina el arco central con superficies adinteladas. En esta superficie hay un entablamento que "rompe" en el centro en arco de medio punto.


En todo el edificio se aprecia la búsqueda de la armonía frente a la monumentalidad.

























Cúpula de la Catedral de Florencia o Santa María de las Flores.