domingo, 31 de agosto de 2014

La Cruz del Sur - ClaudioTomassini Pinturas

























Técnica: Mixta
Medidas: 100 cm x 70 cm

sábado, 30 de agosto de 2014

Adios Maestro Gilberto Krass



























Falleció Gilberto Krass, uno de los símbolos y hacedores de la cultura de Rosario 

Tenía 90 años. Estuvo ligado a grandes momentos culturales de la ciudad, de los que fue gestor y protagonista. Fue librero, director de teatro y creó una galería de arte que fue emblemática.

Gilberto Krass, uno de los personajes de la cultura local, propietario de una las galerías de arte más reconocidas de Rosario, falleció hoy en esta ciudad.

Su nombre verdadero era Gilberto Krasniasky y había nacido en 1924 en Estación Seguí, Entre Ríos.

Krass estuvo ligado a grandes momentos de la cultura de Rosario, de los que fue gestor y protagonista.

Sus primeras actividades fueron como librero, en la Librería Ciencia, un sitio de encuentro constante para los escritores e intelectuales locales y que visitaban la ciudad en los años 60.

Por la misma época se ligó al movimiento del teatro independiente, a través del grupo El Faro e inició sus actividades como marchand y galerista de arte. Otra de sus iniciativas importantes fue la creación de la galería de arte que funcionó durante años en San Martín al 600.

Tony Bennett duet with ....

viernes, 29 de agosto de 2014

Impresionismo




























"Impresión"








































Claude Monet 


Este nuevo modo visual parte de Courbet y es desarrollado por Monet; su designación se debe a un pequeño cuadro que , bajo el titulo "Impresión", expuso en 1874 









































Gustave Courbet

(Jean Désiré Gustave Courbet; Ornans, Francia, 1819 - La-Tour-de-Peilz, Suiza, 1877) Pintor francés que inició la tendencia realista en la pintura del siglo XIX. Instalado en París desde 1839, estudió en la Academia Suisse la obra de los principales representantes de las escuelas flamenca, veneciana y holandesa de los siglos XVI y XVII. Sin embargo, no alcanzó plenamente su madurez artística hasta que descubrió las obras de Rembrandt en un viaje que realizó a los Países Bajos en el año 1847. Hombre revolucionario y provocador, abrazó la filosofía anarquista de Proudhon, participó en 1871 en la Comuna de París y fue encarcelado durante seis meses, hasta que se refugió en Suiza, hacia 1873. Escandalizó al público con su nueva visión realista en cuadros sobre hechos cotidianos, como en L'après diner a Ornans (1849), El entierro en Ornans (1849) o Los paisanos de Flagey volviendo del campo (1850), en los que los personajes están representados con toda su vulgaridad, o con una sensualidad comprometedora.

Nacido en el seno de una acomodada familia de terratenientes de Ornans, Jean Désiré Gustave Courbet se inició en el dibujo mientras cursaba estudios de derecho, de la mano de un discípulo de David llamado Flajoulot. A los veinte años se trasladó a París y completó su formación con las enseñanzas de Steuben, Bonvin y Père Baud, alumno de Gros, y se interesó por las obras de Chardin, los hermanos Le Nain y los españoles Ribera, Zurbarán, Murillo y Velázquez.

De la década de 1840 son una serie de autorretratos en los que aún se aprecia la influencia del Romanticismo. En 1846 planeó con Bouchon un manifiesto contra las tendencias romántica y neoclásica. El realismo de Courbet, fuertemente influido por los ambientes revolucionarios del siglo XIX, era una protesta contra la estéril pintura academicista y los motivos exóticos del Romanticismo.

En 1848, tras un viaje a Holanda, donde estuvo estudiando las obras de Hals y Rembrandt, intervino en el levantamiento militar, aunque sin tomar las armas. En 1849 llegaron sus dos obras realistas más importantes: El entierro en Ornans, un monumental fresco popular que creció hasta convertirse en reportaje social de los habitantes del pueblo, y Los picapedreros (que se perdió durante los bombardeos sobre Dresde en la Segunda Guerra Mundial), en el que se ensalza el trabajo físico. Los cuadros de Courbet despertaron admiración y rechazo por su imagen realista de la vida de personas sencillas.

En el estudio de Courbet se reunían por esa época notables personalidades, como el critico Champfleury, los poetas Baudelaire, Bainville y Muerger, el pintor Bonvin y el filósofo Proudhon, quien dedicó al interés humanitario de las pinturas de Courbet el opúsculo Du principe de l'art et de sa destination sociale. El grupo de Courbet se disgregó tras el golpe de estado de Luis Napoleón Bonaparte en el año 1852 y el pintor retornó a su tierra natal.

Rechazado en la Exposición Universal de París en 1855, Courbet abrió una exposición propia junto a aquélla, que tituló "El realismo". La obra capital era el enorme cuadro El estudio del pintor (1855). La presentó como una "alegoría realista": el artista creador en el centro está rodeado por dos grupos de personas de su vida; por un lado los sencillos campesinos de su tierra, y por el otro los amigos parisinos del autor.

A sus mejores pinturas de figura y retratos pertenecen Señoritas a orillas del Sena (1857), el autorretrato El violoncelista (1849) y La hermosa irlandesa (1866). El artista se prodigó también con otros motivos: el mar, paisajes de bosques y montañas con su fauna, flores y bodegones. La postura radical de Courbet tuvo reflejo en el ámbito de la política. Se comprometió con la Comuna de París y se le acusó de participar en la demolición de la columna Vendôme. Desde 1875 vivió exilado en Suiza, donde murió en la miseria.

Courbet, debido al ímpetu de sus primeras creaciones, pero también a su notorio engreimiento y afición a la polémica y al escándalo público, se convirtió en representante del emergente realismo de la época. Courbet no sólo se creía el más apuesto y seductor de los humanos, poseedor de un bellísimo e irresistible perfil asirio, sino también un artista capaz, desde la desinhibida exaltación de la vulgaridad y pureza de sus orígenes campesinos, de iluminar nuevas formas de verdad y belleza para acabar con las tendencias obsoletas de París.

La revolución de 1848 hizo mella en su obra; poco después presentó en el Salón de 1850-1851 tres lienzos, pintados en Ornans, que anunciaban la irrupción de lo rural y lo social en su mundo pictórico. Los picapedreros (1849) es una obra inspirada en un encuentro del artista con unos trabajadores que luego posaron en su estudio; un joven y un viejo, que aparecen entre los detalles de la escena, atestiguan el agobiante y rutinario ciclo existencial del obrero. Tanto por sus dimensiones, que superaban las de muchos otros cuadros allí expuestos, como por los gruesos empastes de su ejecución, sus obras resultaron indiscutiblemente ofensivas en el Salón.

En El entierro en Ornans (1849, Museo del Louvre, París), obra de mayores dimensiones y complejidad que la anterior, traslada un inmenso fragmento de la realidad rural de Ornans al ambiente refinado de París. Courbet caracterizó a casi cincuenta asistentes al funeral de su propio abuelo y los dispuso horizontalmente frente a la fosa, en apariencia desordenados y en una composición poco jerárquica que sugiere instantaneidad y queda interrumpida arbitrariamente por los dos extremos. El espectador se sitúa al mismo nivel que los aldeanos de Ornans y asiste simbólicamente al funeral de un humilde campesino. Sin embargo, la diversidad de las expresiones individuales no excluye los agrupamientos de figuras, que intentan realizar una descripción crítica y un estudio de las categorías sociales de una población, sus tipos humanos y sus jerarquías, en esta paradójica composición que, al tiempo que da una sensación de exactitud descriptiva, tiene el aspecto de un friso expresivo, a causa de su estilización formal y colorista, y de su composición horizontal.

La obra Bonjour, monsieur Courbet (1854, Museo Fabre, Montpellier) muestra a Alfred Bruyas y a su sirviente dando la bienvenida a Courbet, que acaba de llegar para pasar unos días con ellos en las afueras de Montpellier. El pintor, ataviado como un excursionista y con la caja de pinturas a su espalda y un bastón en la mano, levanta la cabeza correspondiendo al saludo recibido. La pintura muestra con minuciosidad el ambiente local, la luz y los personajes y refleja un hecho real e intrascendente con la objetividad propia de una fotografía documental. El título de este cuadro ha llegado a convertirse en una especie de estandarte del arte realista para muchos artistas de las últimas décadas (Have a nice day, Mr. Hockney de Peter Blake o Bonjour, monsieur Courbet de Baselitz), y representa un significativo tributo a quien inició heroicamente los caminos del realismo.

El apacible ambiente recreado en Señoritas a orillas del Sena (1857, Petit Palais, París), dio lugar a un buen número de aproximaciones pictóricas desde el impresionismo. El cuadro causó gran sensación porque el público parisino estaba acostumbrado a pinturas sobre temas mitológicos o históricos; en el lienzo de Courbet, las dos mujeres representadas con trajes vistosos son dos prostitutas que descansan junto al río. Ninguna mujer educada y de buenas costumbres se mostraría en público sola, recostada en el suelo y mostrando sus enaguas.

Pero, además del tema escogido por Courbet, también impresionó al público la forma en que está pintado, en clara oposición a los gustos y reglas entonces aceptados. Las gruesas pinceladas, los tonos de color y el desprecio por los cánones de belleza contrastan con las obras más pulidas de otros artistas convencionales del momento. Las señoritas evidencian la persistencia del sueño, mientras que las hojas de los árboles sugieren una calma atmosférica tan densa como el propio descanso. Tanto la composición como el color, que parecen reflejar la realidad tal y como es, no muestran unos elementos por encima de otros, sino que conceden la misma importancia a todo aquello que aparece representado, transmitiendo cierta sensación de objetividad indiscriminada.

Courbet, que en este lienzo plasmó la naturalidad de la belleza en el momento en que uno se abandona al sueño, habría de reincidir posteriormente y con una mayor expresividad en este tema. El sueño (1866, Petit Palais, París), una exaltación del amor carnal entre mujeres, fue una obra que el pintor realizó por encargo del diplomático turco Khalil Bey. El modo directo y desinhibido en que la pintura se adentra en esta escena de amor la hace partícipe de los revolucionarios principios realistas.

Sin embargo, la desinhibición frente al sexo femenino alcanza su máxima expresión en la obra El origen del mundo (1866, Museo de Orsay, París), encargada también por Bey y que constituye, sin lugar a dudas, la pintura más transgresora del siglo XIX, por cuanto muestra una visión del sexo femenino cuyo encuadre y detalle supera cualquier precedente en la pintura occidental. Esta obra, que se dio por desaparecida durante mucho tiempo, fue hallada en casa del famoso psicoanalista francés Jacques Lacan; según se ha podido comprobar, éste la adquirió por recomendación de Georges Bataille.

Courbet afirmó en cierta ocasión: "Soy courbetista, eso es todo. Mi pintura es la única verdadera. Soy el primero y único pintor del siglo; los demás son estudiantes o bobos... He hecho mi propia síntesis. Me río de todos y cada uno de ellos, y las opiniones me molestan tanto como el agua que corre por debajo del Pont Neuf. Sobre todo, hago lo que debo hacer. Se me acusa de vanidoso. Desde luego, soy el hombre más orgulloso que hay sobre la faz de la tierra." No debe resultar extraño que el autor de estas palabras dedicara una buena parte de su obra a la perpetuación de su propia imagen y a la exaltación de su genio.

De hecho, las primeras pinturas presentadas al Salón de 1844 eran autorretratos narcisistas, en los que el artista exaltaba su propia belleza e indolencia con cierta afectación romántica. Autorretrato con perro negro (1842, Petit Palais, París) muestra el rostro de Courbet mirando al frente y emergiendo, bajo una tenue iluminación, de entre las zonas oscuras circundantes (sombrero, cabellos y chaqueta). La elegante silueta del pintor puede compararse a un distinguido y melancólico perro cazador de color negro.

En un curioso cuadro pintado años después, Courbet, que fue un gran amante de la caza y de la pesca, también se comparó con la nobleza de un animal, en este caso, acuático. La trucha (1871, Kunsthaus, Zurich) muestra ese pez enganchado por la boca con un anzuelo, siguiendo una diagonal del cuadro. El tamaño y la belleza de la trucha junto con la inscripción que aparece en la esquina inferior, 71 G. Courbet in vinculis faciebat (71 G, Courbet lo pintó estando en prisión), permiten interpretar esta tela como un curioso autorretrato, en el que el artista simboliza su propia lucha por la vida al ser recluido en la cárcel a causa de sus actividades en la Comuna.

El más famoso y complejo autorretrato de Courbet habría de ser, sin embargo, el titulado El estudio del pintor (1854-1855, Museo de Orsay, París). Desde la Revolución Francesa, y frente al nuevo poder de una burguesía que se consolidaba económicamente, la Iglesia y el Estado habían dejado de ser los principales clientes de las obras de arte. La diversificación de la demanda artística, junto con el desarrollo de la subjetividad individual que propició el Romanticismo, supuso una mayor independencia en la labor introspectiva y creativa del artista. A pesar de que los Salones, reforzados por la profesionalidad de la crítica, representaban todavía la autoridad del criterio oficial, se respiraba ya un creciente replanteamiento del academicismo que implicaba una vuelta al taller renacentista, concretamente, al estudio, entendido éste como sinónimo de personalización, individualidad, independencia, espacio para la reflexión artística y el trabajo retirado y en soledad.

Copley, West y David habían mostrado en privado sus cuadros ante potenciales compradores, tal como Géricault había hecho con La balsa de la Medusa o Blake organizando exposiciones individuales en locales alternativos. Cuando El Entierro en Ornans y El estudio del pintor fueron rechazados por el Salón de 1855, Courbet pidió dinero prestado y organizó una exposición individual y de carácter privado junto a los Campos Elíseos, con un gran cartel en la puerta que decía: "Du realisme." La independencia de Courbet estaba simbolizada por su estudio, y el cuadro que lo representaba asumió el carácter de manifiesto. "No puedo enseñar mi arte ni el arte en ninguna escuela (escribió en 1861), ya que niego que el arte pueda enseñarse; el arte es completamente individual y el talento de cada artista no es sino el resultado de su propia inspiración."

Al contemplar El estudio del pintor (al margen de los hechos que lo rodearon o las consecuencias que éstos tuvieron), la mirada se detiene en el centro e identifica, como era previsible, al propio Courbet. La ambición de resaltar la figura del artista se articula en un deseo de dejar constancia de las realidades circundantes y de los personajes a los que se rinde un simbólico homenaje. Aparece, a la izquierda del pintor, la realidad cotidiana y, a la derecha, el público de Courbet, los mecenas y amigos que apoyaban sus éxitos pictóricos y sus creencias políticas (Champfleury, Proudhon, Baudelaire...). En el centro, algo indiferente a la multitud agrupada en su honor, el artista pinta un paisaje, mientras una mujer desnuda lo contempla ensimismada; Courbet lo pinta de memoria y el acto de creación en el estudio ocupa el nivel más elevado de la realidad.

Numerosas son las interpretaciones que se han hecho de esta obra. La relación de Courbet con la doctrina utópica de Fourier establece conexiones con los símbolos y rituales esotéricos de la francmasonería; los amigos del artista representados en el lienzo pueden personificar diversos géneros artísticos: Baudelaire, la poesía; Champfleury, la prosa; Promayet, en el fondo, la música; Proudhon, la filosofía social, etc.; el grupo central muestra las edades del hombre, según una disposición circular: madre e hijo lactante, el niño que observa curioso, el artista adulto que representa la madurez y un San Sebastián mártir con una calavera a sus pies que completa el ciclo de la vida.

Cualquiera que pueda ser el valor de la demostración filosófica, política y estética del lienzo, atestigua el esplendor del arte de Courbet, en admirables fragmentos de pintura, por ejemplo el desnudo; en la riqueza de la materia pictórica, en el realismo de los retratos o el efecto de los ropajes, y en la indiscutible maestría de la calidad de la luz. Es el momento de recordar su talento de paisajista, sensible a la naturaleza virgen como en La suelta de los corzos, donde pinta con entusiasmo un sotobosque silvestre y elegantes figuras de animales. Precursor del impresionismo por su habilidad en la captación de los reflejos luminosos, interesado por los cabrilleos del sol en el agua, en marinas que recuerdan el estilo de Monet, permanece sin embargo sujeto a una construcción sólida y a la estructura de los elementos naturales. Por otro lado, su técnica libre y audaz incluye el gusto por los empastes de pintura, a menudo aplicados con el cuchillo o la paleta sobre la tela, que logran sorprendentes efectos de profundidad.

jueves, 28 de agosto de 2014

Mujer mirando las estrellas - Claudio Tomassini Pinturas


Amy Winehouse

(Londres, 1983 - 2011) Controvertida compositora y cantante de soul británica, una de las grandes revelaciones de los últimos años. Dotada de portentosas cualidades vocales que la llevaron a un vertiginoso éxito, en febrero de 2008 arrasó en la entrega de los premios Grammy al obtener cinco de los seis galardones a los que optaba el segundo álbum de su carrera, Black to black, uno de los mejores discos de la década.

Sus padres, Mitch y Janis, formaban una pareja de clase media-baja aficionada al soul y al jazz. Muy pronto descubrieron que no tenían autoridad para atemperar el endemoniado carácter de su hija, una niña rebelde que exigía constante atención. La única persona que parecía tener cierta ascendencia sobre la niña era su abuela paterna, Cynthia, mujer carismática de quien el trompetista Ronnie Scott estuvo enamorado durante años.

Del suburbio de Southgate, Amy pasó a vivir en East Finchley cuando sus padres se divorciaron amistosamente en 1993. Por recomendación de la abuela Cynthia, a quien llamaban Nan, Amy se matriculó en la escuela de teatro de Susi Earnshaw, en Barnet. A pesar de que la expresión corporal se le daba bien, y de que se le auguraba futuro como bailarina, en la cabeza de Amy había una sola obsesión: triunfar como cantante.

Ya a los diez años lo intentó formando un dúo de rap al estilo de las Salt'n'Pepa del que posteriormente no se sentiría precisamente orgullosa. En 1995 se matriculó en la escuela de teatro de Sylvia Young, de la que fue expulsada al año siguiente por hacerse un piercing en la nariz. Sin embargo, la obstinación de Amy la convirtió en una intuitiva cantante que adquirió experiencia sobre el escenario ejerciendo como vocalista de la National Youth Jazz Orchestra.

A los dieciséis años su novio de entonces, el también cantante Tyler James, hizo llegar al mánager Nick Godwyn una maqueta de la joven promesa. Godwyn la invitó a una audición, y en cuanto la vio supo que tenía oro en las manos. "Era increíble. Conocía bien la vieja escuela y el hip-hop. Era rellenita, tenía fuerza y un estilo único." Un estilo que, cabe añadir, sabía adornar con su barriobajero acento cockney, llamativos tatuajes y una forma provocativa de moverse ante el público.

Bajo la tutela de su nuevo manager, Amy Winehouse viajó a Miami para conocer al productor Salaam Remi, una autoridad del rhythm and blues que había trabajado con los Fugees y Lisa Lopes, entre otros. Inmediatamente, fue contratada por la discográfica Island e invitada por Remi a grabar en su estudio. El talento de Amy le permitió terminar su debut en un tiempo récord, dado que casi nunca desafinaba y mantenía los tiempos con precisión, de modo que no era necesario hacer muchas tomas para cada tema.

Frank (titulado así en honor a Sinatra) fue el primer álbum de Winehouse. Aparecido en 2003, tuvo un éxito notable: disco de platino, fue nominado a los premios Mercury Music y ganó un Ivor Novello Award en 2004 gracias a single Stronger than me. Con el dinero recaudado, lo primero que hizo fue comprarse un piso en el barrio que más le gustaba, el de Camden. ¿Qué podía hacer una joven de veinte años, con recursos económicos, una incipiente propensión a los excesos y una casa para ella sola en uno de los barrios más bohemios de la City? De momento, mantuvo una sospechosa simultaneidad entre su antiguo novio Tyler, un amigo íntimo de personalidad quebradiza llamado Chris y otro oscuro compañero de fiestas que pronto se convertiría en el amor de su vida: Blake Fielder-Civil.

Muchos dicen que fue Pete Doherty, cantante de The Libertines y compañero de Kate Moss, quien ejerció de nefasto cicerone de la joven por los locales más peligrosos de Camden. En esos años Amy tuvo libre acceso a las drogas y al alcohol. Compartía piso con su primer novio, pero iba adueñándose de ella una fascinación creciente por el problemático Blake, con quien inició un romance. "Necesito tener problemas para sentir mi fuerza creativa", aseguró Amy al respecto.

Alternando períodos de anorexia y bulimia, bebiendo cada noche y saliendo sin parar, Amy parecía alimentarse de su propia desgracia para salir adelante. Siendo aún su manager, Nick Godwyn alertó a los padres de la cantante del peligro que corría si no se la alejaba de su desordenado modo de vida. La respuesta de Amy fue una violenta negativa a dejarse ayudar.

En 2006 volvió a los estudios con una apariencia bien distinta de la de tres años atrás: seis tallas menos y un rostro visiblemente demacrado. Paradójicamente, su talento y su carisma parecían haber crecido. Todos los demonios que hervían en el interior de la artista tuvieron salida en unas letras más oscuras que las del álbum precedente.

Black to black, producido por Mark Ronson y triple disco de platino a las pocas semanas de su aparición, puso de acuerdo a la crítica más severa y al gran público. Arropada con una sobrecogedora producción de carácter retro inteligentemente puesta al día, Amy desgranaba en su mejor disco diez temas compuestos por ella misma. En el álbum se alternan bombazos de tremenda potencia rítmica (Rehab o You know I'm no good) con sutiles baladas de aire Motown (como Me and Mr. Jones).

En las letras reflejaba su cínica visión de las relaciones afectivas y su particular inmersión en el submundo de las drogas y el alcoholismo. Así, en el single Rehab dejaba bien claro que no iba a ser fácil reconducirla por la senda de la templanza: "Ellos tratan de que vaya a rehab [rehabilitación] / pero yo digo «no, no, no»". O también: "Bien sé que voy a perder a mi chico, / así que siempre tengo una botella cerca". No era el mejor ejemplo para los millones de adolescentes que muy pronto iban a consumir su música.

El que podría haber sido un excelente año para la redención no fue tal. La muerte de su adorada abuela fue un siniestro presagio. Aunque un nuevo tatuaje que rezaba "Blake" adornaba su pecho, Alex Claire ocupó por nueve meses el corazón de la cantante. Por añadidura, el éxito de Back to black resultó un arma de doble filo. Amy, quien hasta entonces podía mantener con relativa discreción sus excesos, se convirtió de la noche a la mañana en un rostro hiperpopular cuya progresiva degradación retrataban constantemente los paparazzi. Comenzó así su dramático historial de cancelaciones y desplantes. En enero de 2007 apareció completamente borracha en el escenario de la G-A-Y Part y vomitó al terminar el primer tema.

En mayo de ese mismo año se casó con Blake en Miami y en noviembre obtuvo el premio Artist Choice en los MTV Europe Music Awards. Este éxito no pareció suscitar la ilusión de la cantante, cuya única palabra para los asistentes a la gala fue un escueto "gracias". Hacer callar a Bono durante una rueda de prensa, pedir 47 botellas de whisky por actuación y asegurar tranquilamente a la prensa que "padezco desórdenes alimentarios continuos" eran los típicos comportamientos de una diva en llamas. El ingreso en prisión de Blake por agresión y desacato a la autoridad no facilitó las cosas.

El año 2008 pareció comenzar bien para Amy. La ceremonia de los Grammy fue un nuevo paseo triunfal de la londinense, quien, sin embargo, no pudo asistir a la gala en directo porque le fue denegado el visado. Amy se llevó cinco de los seis premios a los que optaba: mejor álbum vocal de pop, mejor actuación vocal femenina, mejor artista revelación, mejor canción del año (Rehab) y mejor álbum. Pero en julio hubo de ser ingresada en un hospital, se dijo que a causa de un enfisema pulmonar, enfermedad que terminaría con la carrera de cualquier cantante. Aunque su padre desmintió tal noticia, las fotografías captadas por los periodistas a la salida del centro mostraban a una Amy completamente ajada.

En los conciertos veraniegos del show itinerante Rock In Rio el público pudo ver a una Amy dramáticamente mermada en sus facultades vocales. Estática en el escenario, desafinando y con la mirada perdida (cuando no completamente bebida, como sucedió en la escala portuguesa), completó como pudo sus compromisos anuales, después de cancelar conciertos por los que su agencia tuvo que abonar grandes cantidades en concepto de compensación. Con veinticinco años recién cumplidos, se decía que la británica estaba inmersa en la composición del que sería su tercer álbum. En las entrevistas aseguraba sentirse ilusionada por la próxima puesta en libertad de su marido, con quien esperaba "tener cinco hijos".

Pero ni el tercer disco ni los hijos habían nunca de llegar. La relación con Blake se deterioró; Amy Winehouse presentó en 2009 una demanda de divorcio y siguió rodando por la pendiente del alcohol y las drogas, protagonizando un escándalo tras otro. En junio de 2009 fue juzgada por agredir a una fan; en agosto de 2010, su conducta en un acto de inaugarición oficiado por el rey de los Zulúes fue vergonzosa; a ello deben sumarse las ocasiones en que, víctima de los paparazzis, aparecieron en la prensa fotos suyas en estado de embriaguez. Ya en 2011, un mes antes de su fallecimiento, se presentó completamente drogada a un concierto en Belgrado, protagonizando un espectáculo bochornoso que obligó a cancelar el resto de la funciones. El 23 de julio de 2011 fue hallada muerta en su apartamento, en el barrio londinense de Camden. Como otras leyendas de la música (Kurt Cobain, Jimi Hendrix o Janis Joplin), tenía 27 años.

miércoles, 20 de agosto de 2014

QUE ES UN MAESTRO






















QUE ES UN MAESTRO

Un maestro no enseña a encontrar 
un maestro enseña a buscar.

Un maestro no enseña a producir
un maestro enseña a gestar.

Un maestro no simplifica 
un maestro diversifica.

Un maestro es un guía.

Un maestro no ayuda a alcanzar la meta 
un maestro se limita a enseñar caminos.

Un maestro no educa un maestro forma.

Un maestro no quiere conocer a su alumno a través de la obra, un maestro quiere conocer la obra a través de su discípulo.
El discípulo no es el pintor que pinta una obra va a ser alguien que se construye y perfecciona a sí mismo a través de la obra. Y la obra de arte será una resultante, una consecuencia de ese proceso de superación del conocerte a ti mismo. 

Tu maestro querrá que tu sientas alegría ante el fracaso porque en la experiencia fallida… esta el germen de la creación. El Arte es una sabia adición de descuidos.

El maestro deberá apuntalarte en composición, en equilibrios cromáticos, en técnicas… Es cierto que las formas pertenecerán a tus cánones internos, y que los colores pertenecerán a tu propio arco iris, pero deberás conocer las leyes que optas trasgredir. Una sinfonía no se compone únicamente en base de inspiración, un poema no se escribe solamente con ensoñaciones, no hay arte sin oficio.

Tu maestro no abrirá las puertas por ti, pero te dará las llaves para que encuentres un punto de equilibrio entre tus códigos inéditos y la máxima altura de la calidad plástica.
Y cuando ya domines los recursos técnicos, cuando tengas un buen "entrenamiento" como para organizar una composición que - al mismo tiempo - mantenga una "científica" combinación de forma y color, y una resolución sensible y expresiva… entonces tu maestro podrá llevarte a planos cada vez más profundos.

Te llevara a encontrar una relación música - matemática; la poesía per se. Te pedirá que fundes tu propio reino. Intimo, personal. Que diseñes tus propios blasones… porque la única verdad es tu verdad.

Basado en escritos del Maestro Samuel Tencer.

martes, 19 de agosto de 2014

WILLIAM ANDREW LOOMIS








































William Andrew Loomis (1892–1959)

Más conocido como Andrew Loomis, fue un ilustrador estadounidense, autor, profesor de arte. Su labor comercial se destacó en la publicidad y en la ilustración para revistas. Sin embargo, Loomis es reconocido como autor de una serie de libros de lecciones de arte, impresos a lo largo del siglo XX. Mucho tiempo después de su muerte, el estilo realista de Loomis ha continuado influenciando a infinidad de reconocidos artistas. Nacido en Syracuse, Nueva York, Loomis creció en Zanesville, Ohio y pasó gran parte de su vida en Chicago, Illinois.

Estudió en la Art Students League de Nueva York bajo la dirección de George Bridgman y F.V. du Mond cuando tenía 19 años. Luego regresó a Chicago para trabajar en un estudio de arte y estudiar en el Art Institute de Chicago. Después del servicio militar en la I Guerra Mundial, Loomis trabajó para un par de agencias de publicidad antes de abrir su propio estudio en el centro de Chicago. 

En la década de 1930, enseñó en la Academia Americana de arte. Fue durante este tiempo que se compilaron sus técnicas de enseñanza para su primer libro, “Fun with a Pencil”, en 1939. 

Loomis escribiría e ilustraría varios libros más en las próximas décadas, incluyendo uno de sus más populares “Figure Drawing for All It's Worth”, en 1943. 

Muchos de los libros exhiben sus propias técnicas, personalmente utilizadas - como el método «bola y plano» de “Drawing the Head and Hands”
- guiados por un diálogo ingenioso y humorístico muy afín a su prosa. Otro de los títulos publicados fueron: “Successful Drawing” (1951), “Creative Illustration” (1947), “Successful Drawing” (1951), “The Eye of the Painter” (1961).

Los libros de Loomis están llenos de bellos ejemplos para ayudarle a dominar la anatomía y capturar la forma humana a cualquier edad, en el movimiento y en reposo. Atractivos, ingeniosos y ejecutados maravillosamente, son una clase magistral para los artistas aficionados e ilustradores profesionales por igual.

Su única cubierta fue para The Saturday Evening Post (el Poste de la Tarde del sábado), a partir de 1935. (Imagen de The Illustrator in America: 1880-1980). Loomis produjo y definió su oficio como  Arte Comercial durante toda su vida. 

Era como un profesor, más que como un ilustrador, actualmente representa una imagen muy durable entre los artistas que vinieron después de él.

Dio clases en American Academy of Art (Academia Americana de Arte), en Chicago, durante los años 1930. Allí perfeccionó las técnicas de enseñanza que se recogen en su primer libro, Fun With a Pencil (Diversión con un Lápiz), en 1939.

Sus libros se agotarón en 2004. La Familia Loomis, que todavía sostiene los derechos de autor de todos los libros publicados por Andrés Loomis, no ha expresado ninguna intención de reimprimir cualquiera de sus trabajos a pesar de la demanda popular.

William Andrew Loomis (1892–1959), better known simply as Andrew Loomis, was an American illustrator, author, and art instructor. His commercial work was featured prominently in advertising and magazines; however, Loomis is best known as author of a series of instructional art books printed throughout the 20th century. Long after his death, Loomis' realistic style has continued to influence popular artists.



LIBROS PUBLICADOS

La Diversión con un Lápiz (1939)
El Dibujo de Figura en Todo su Valor (1943)
Ilustración Creadora (1947)
Dibujo Acertado (1951) Este libro también fue reimpreso en una edición corregida como el Dibujo Tridimensional.
Dibujo de la Cabeza y Manos (1956)
El Ojo del Pintor (1961)







lunes, 18 de agosto de 2014

Denis Peterson
































































































































De descendencia armenia, fue uno de los primeros pintores hiperrealistas que surgieron en Nueva York a finales de los años 60.
Sus primeros trabajos fueron expuestos en el Museo de Brooklyn, el Museo Whitney de Arte Americano y la Galeria Max Hutchinson en Nueva York.  Se le considera como el autor del hiperrealismo, además de ser uno de los artistas mas importantes en este estilo de pintura.
Poseedor de una técnica impecable, realiza sus trabajos a partir de fotografías que pasa al lienzo habitualmente en acrílico. Su temática, de forma frecuente,  la denuncia de todo aquello que no le gusta de la sociedad en la que vive. Varias series están dedicadas a la vida en el tercer mundo, indigentes en la gran ciudad,  o el modo de vida americano. Las más recientes, paisajes urbanos de Nueva York, rascacielos, anuncios de neón, calles y vallas publicitarias con peatones y coches.


La Cuarta - Claudio Tomassini Arte Digital


Selah Sue

Sue reúne todas las condiciones para ser una cantante de soul estadounidense, o incluso jamaicana; pero las apariencias engañan, nos encontramos con la nueva joya del pop europeo con su álbum debut definido como soul-funk-ragga y apadrinada por Cee-Lo Green (nada menos). Selah Sue estará dando un único e inolvidable show, el martes 17 de Septiembre.

Selah Sue tiene 21 años y nació en Bélgica. Dio sus primeros pasos con la música cuando comenzó a componer a los 16 con Erykah Badu como su primera influencia y modelo a seguir. A los 17 se animó a algo que pocos se animarían, rechazó su primer contrato con Universal porque "sentía que no estaba lista aún". Pero siguió adelante con lo que sentía era su vocación y sin planearlo demasiado y en poco tiempo su carrera se disparó directo a los grandes festivales europeos y a compartir escenarios con artitas como como Moby, Simple Red, Keziah Jones, Sébastien Tellier, entre otros.

Con su disco debut, que lleva su nombre, se convirtió en la sensación del momento en Europa. Continental. Muchos la comparan con Amy Winehouse, Duffy o Lauryn Hill. Sus canciones hablan de emociones y de sentimientos (en inglés y no en neerlandés) y los ritmos dominantes son el reggae, el hip hop y soul: Buena música, buenas letras y buen clima.

Su disco debut lleva vendidos más de 400.000 uds solamente en Europa Continental (no editado aun en UK y USA), 200.000 en Francia, más de 20 millones de vistas en su web, Artista I-Tunes del Año en Alemania, Ganadora del Mercury Prize Frances y el European Border Breakers Award (premia a la Revelacion del Año votada por la gente)-

Si a su voz inédita que vibra le añadimos una facilidad desconcertante para escribir y a utilizar su órgano para rapear y pasar de sonidos suaves a estribillos poderosos, obtenemos su efervescente primer single Raggamuffin.

Tanto talento no pasó desapercibido por los grandes del género, es así como Cee Lo Green pidio que ella participara en su exitoso disco The Lady Killer del 2010 (donde tienen un dueto juntos) y a su vez participa en otro dueto en el album de ella; y Prince la solicitó para que le abriera sus shows en su gira del 2010

Además de poseer una sobrecogedora belleza, tiene una sensibilidad que dota a sus canciones de la profundidad necesaria para poder acceder a la nueva version de la diva del soul, una diva que no solo interpreta buenas canciones, sino que las compone y las arregla.

Seelah Sue posee las dosis suficientes de nostalgia e inteligencia, combinadas con dulzura, fuerza, sensibilidad, descaro y timidez…… bipolaridad artística en estado puro.
PRENSA

- “Aunque es rubia y delicada, su voz es vibrante y salvaje como la de una negra”. ROLLING STONE.

- “Selah Sue pertenece a una generación para quienes la música no tiene fronteras e internet fue su principal aliada a la hora de presentar su arte. Grandes cosas le esperan a esta encatadora rubia que ya sorprende al mundo”: REVISTA LUZ.

- “Una obra breve pero contundente, ambiciosa y, por qué no, placentera”: PÁGINA 12.

- “Potencia vocal, interpretación avasallante, destellos de sutileza acústica, y géneros: soul, funk, reggae, hip-hop”: S! DE CLARÍN.

- “Selah Sue, nacida en Bélgica, ya impuso su nombre en el universo del soul”: LA NACIÓN.

- “Otra rubia que vino a mover las estanterías… otra rubia con esa sensualidad inocente que pueda enamorar a más de uno”: ROCK DT.





domingo, 17 de agosto de 2014

Diferentes versiones de Aint no sunshine when she´s Gone




no brilla el sol 

No brilla el sol 
No brilla el sol cuando ella no está, 
no hay calor cuando ella está fuera, 
no brilla el sol cuando ella no está, 
y siempre está fuera mucho tiempo 
cada vez que ella se va. 

Me pregunto esta vez dónde ha ido, 
me pregunto si se ha marchado para no volver, 
no brilla el sol cuando ella no está, 
y esta casa no es un hogar, 
cada vez que ella se va. 

Y sé, y sé, y sé... 

Hey, yo debería dejarla sola 
pero no brilla el sol cuando ella no está. 

No brilla el sol cuando ella no está, 
sólo hay oscuridad cada día, 
no brilla el sol cuando ella no está 
y esta casa no es un hogar 
cada vez que ella se va.

Octavius Womack

Robert Dwayne "Bobby" Womack ( / w oʊ m æ k / ; 4 marzo 1944 hasta 27 junio 2014) fue un cantautor y músico estadounidense. Un artista de grabación activa desde principios de la década de 1960, cuando comenzó su carrera como cantante de su grupo musical de la familia del Valentinos y como Sam Cooke 's respaldo de guitarrista, la carrera de Womack se extendió por más de 50 años, durante los cuales él jugó en los estilos de R & B , soul, el rock and roll , doo-wop , gospel , y país.



Israel "IZ"

Israel "IZ" Kamakawiwo'ole (20 de mayo de 1959 – 26 de junio de 1997) fue un destacado músico hawaiano, especialmente conocido por sus versiones de las canciones Over the Rainbow y What a Wonderful World, a las que unió en un famoso medley llamado Somewhere Over the Rainbow. Su suave voz, su habilidad para tocar el ukelele e interpretar Música Hawaiana fusionada con toques de jazz y reggae, caracterizan su estilo peculiar y único.

Israel nació el 20 de mayo de 1959 en la isla de Oahu, y fue criado en la comunidad Kaimuki en las afueras de Waikiki, donde vivían sus padres. A los 11 años empezó a tocar instrumentos musicales junto con su hermano mayor Skippy y tuvo la oportunidad de conocer a otros artistas hawaianos como Peter Moon y Don Ho. Durante su adolescencia, se mudó con su familia a Makaha, donde conoció a Louis Kauakahi, Sam Gray y Jerome Koko quienes junto con su hermano Skippy formaron el grupo Hijos Makaha de Ni’ihau. Poco a poco desde 1976 y a lo largo de los años 80, el grupo fue ganando popularidad en Hawai y en el resto de los Estados Unidos.

En 1982, Skippy Kamakawiwo‘ole, su hermano, falleció de un ataque cardíaco. También ese mismo año él se casó con su novia de la adolescencia Marlene y, al poco tiempo, tuvieron una hija a quien llamaron Ceslieanne "Wehi".

En 1990, lanzó su primer álbum como solista, Ka'ano'i, por el cuál fue premiado por la Academia de Artes de Honolulu por mejor álbum contemporáneo y mejor cantante masculino del año. Más tarde publicó Facing Future en 1993, álbum que es generalmente considerado como su mejor trabajo y con el cual se dio a conocer fuera de Hawái. Facing Future debutó en el puesto #25 en la lista de la revista Billboard. El álbum incluye además sus famosas versiones de "What a Wonderful World"y "Somewhere Over the Rainbow", así como "Hawai‘i 78," "White Sandy Beach of Hawai‘i," "Maui Hawaiian Sup'pa Man," y "Kaulana Kawaihae". Alone In IZ World (2001) debutó de  en la lista mundial de Billboard y en  en la lista de ventas "Internet Album Sales".

En 1994 fue elegido como la figura del espectáculo del año en Hawái de acuerdo con la Hawaii Academy of Recording Arts (HARA).

En 1997, fue honrado por la HARA en la ceremonia anual de los premios Na Hoku Hanohano en cuatro de las más importantes categorías, entre ellas mejor cantante y mejor álbum. Iz no pudo asistir a la ceremonia y vio el evento desde su habitación en el hospital. En algún momento de sus últimos años, Israel Iz se convirtió al cristianismo, en 1996 fue bautizado en la iglesia World of Life Christian Centre in Honolulu y habló públicamente de su creencias en los Na Hoku Hanohano Awards. También grabó la canción "Ke Alo O Iesu" (traducida como 'La Presencia de Jesús').

Durante la mayor parte de su vida adulta, Israel padeció de obesidad, llegando a pesar 340 kg. Debido a ello, fue hospitalizado en numerosas ocasiones, y finalmente murió afectado de problemas respiratorios derivados de su exceso de peso, el 26 de junio de 1997 a los 38 años de edad. Su cuerpo fue velado en el edificio del Capitolio en Honolulú, con la bandera a media asta en los edificios estatales. Tras ser cremado, sus cenizas fueron esparcidas en el Océano Pacífico, frente a la playa de Makua. A la ceremonia organizada en su honor, llegó una multitud de aproximadamente 10.000 personas a rendirle homenaje y a festejar con chapoteos en el agua mientras le acompañaban en canoas.

Israel es considerado una figura emblemática de la cultura musical de Hawái y uno de los músicos hawaianos más destacados de la historia. Su música fue caracterizada por promover los valores y la cultura de Hawái. IZ destacó también por ser un abierto partidario de la independencia del archipiélago.

Sus canciones han sido utilizadas en series de televisión y películas como Descubriendo a Forrester, ¿Conoces a Joe Black?, Tienes un e-mail, 50 primeras citas y Madagascar así como en capítulos de las series de televisión ER,Glee y "Hawaii Five-0".



San Martin