domingo, 20 de julio de 2014

Dia del AMIGO

























El Día Internacional del Amigo es una celebración ecuménica, que nació de la inquietud de un pensador argentino, el Dr. Enrique E. Febbraro, que sentía que era necesario una celebración de las virtudes más altas del ser humano.


En el año 1968, la carrera por alcanzar el sueño de la conquista del espacio llegaría en pocos meses más a su punto culminante, pues hacía tiempo que el hombre había comenzado a derribar barreras e iba produciéndose un acercamiento universal.

Este vertiginoso afán por trasponer las fronteras de la tierra y llegar a los confines del universo hacía que los hombres necesitaran cada vez más acercarse hacia otros hombres de ideologías, credos o razas diferentes, para lograr objetivos comunes (¡siempre es más fácil hacerlo en equipo!).

El objetivo concreto era llegar a la luna, y muchas personas tomaron conciencia de que la unión con sus semejantes los ayudaría a lograr más rápidamente el objetivo, ya que esta conquista había acaparado la atención y el interés de todos los seres humanos.

Este trabajo de los hombres unidos para conseguir la meta deseada, fue la fuente inspiradora de una persona que se encontraba en algún rincón del mundo, más precisamente en un lugar llamado Lomas de Zamora, en la República Argentina: Enrique Febbraro, Doctor en Odontología, Profesor de Historia y Ética, no quiso dejar de honrar este esfuerzo de la humanidad toda, ya que el hombre estaba construyendo una alianza sin fronteras y comenzaría a establecer vínculos de amistad entre todos los seres de la tierra.

Para concretar su homenaje, solicitó la colaboración de algunos amigos y personas cercanas a su pensamiento, y formó un equipo que trabajó durante un año sobre esta idea, bajo un concepto innovador: "Mi amigo es mi maestro, mi discípulo y mi condiscípulo. Él me enseña, yo le enseño. Ambos aprendemos y juntos vamos recorriendo el camino de la vida, creciendo. Sólo el que te ama te ayuda a crecer". Fue así que, como corolario de su tarea, instituyó el 20 de Julio de 1969 como el "Día Internacional del Amigo", en coincidencia con la llegada del hombre a la luna.

A partir de allí comienza un largo peregrinar del grupo de Dr. Febbraro, para difundir la idea y lograr el consenso necesario para celebrar el Día del Amigo. Su tarea se llevaba a cabo con un lema: "UN PUEBLO DE AMIGOS ES UNA NACION IMBATIBLE", y destacaban que sería una celebración ética, sin fines de lucro ni de fomento al consumo.

¿Cómo se hace un amigo? ¿Dónde se lo encuentra? El profesor comentaba que en cualquier parte: en el bar, en la oficina, en otra ciudad, en aquel país, a la vuelta de la esquina, a través de Internet, viajando, entre los animales y las plantas, o en el mundo de las ideas. Sólo hace falta alguna disposición a amar, a escuchar, a comprender, a abrirse al otro, a dar, a sentir placer de compartir su dicha y de acompañarlo en su pena.
¿Cómo se conoce al amigo? "Es fácil, porque no se lo ve, se lo siente", decía nuestro amigo Febbraro. También apuntó que "Mi amigo es mi maestro, mi discípulo y mi condiscípulo. El me enseña, yo le enseño.

Buscó también a otras personas para popularizar su iniciativa. De esta manera se encuentra con Mirta Lancillotta Duarte, de la Provincia de Mendoza, Argentina, quien el 20 de Julio de 1988, funda el Banco Mundial de la Amistad, que se extiende actualmente por 82 países. La señora Duarte ha recibido numerosos premios y distinciones a nivel nacional e internacional, como continuadora de la obra emprendida por el Dr. Febbraro.

Enrique Ernesto Febbraro, nacido en Lomas de Zamora (Argentina), fue profesor de psicología, filosofía e historia, aparte de ejercer como músico y odontólogo. Fue socio fundador del Rotary Club de San Cristóbal de Buenos Aires, barrio en donde nació en el año 1924.

sábado, 19 de julio de 2014

Fugaces II (Arte Digital) Claudio Tomassini


Roberto Fontanarrosa siempre presente




(Rosario, 1944 - 2007) Humorista gráfico y escritor argentino. Conocido como Roberto "El Negro" Fontanarrosa, fue uno de los referentes del dibujo humorístico en su país y uno de los más seguidos por los lectores de las publicaciones en las que aparecían sus chistes e historietas. A menudo se afirma que a partir de 1973, cuando Fontanarrosa empezó a publicar su viñeta diaria en el diario Clarín, la gente empezó a leer el diario por detrás. Antes, Fontanarrosa había formado parte del plantel de humoristas de una extraordinaria revista llamada Hortensia que hizo a desternillar a medio país con su humor cordobés, un humor fresco que en nada se parecía a un chiste de argentinos (es decir, de porteños). Desde entonces Fontanarrosa no paró de trabajar. Entre su enorme producción de humorista gráfico hay dos personajes que forman parte de la vida argentina: Inodoro Pereyra, el renegau (un gaucho que se rebela a todo, secundado por su perrito Mendieta) y el mercenario Boogie el aceitoso, en sus inicios una parodia a James Bond, pero más bien un Harry el Sucio demente. Fontanarrosa recopiló viñetas sueltas en algunos volúmenes muy difundidos, como por ejemplo ¿Quién es Fontanarrosa?, Fontanarrisa, Fontanarrosa y los médicos, Fontanarrosa y la política, Fontanarrosa y la pareja, El sexo de Fontanarrosa, El segundo sexo de Fontanarrosa, Fontanarrosa contra la cultura, El fútbol es sagrado, Fontanarrosa de Penal, Fontanarrosa es Mundial y Fontanarrosa continuará, títulos en que es patente el amplio abanico de temas que abarcó su agudeza humorística y su habilidad para el comentario gráfico. Además de recopilaciones de viñetas, publicó también cómics concebidos directamente como libros, como Los clásicos según Fontanarrosa, Semblanzas deportivas y Sperman. A ello hay que añadir los volúmenes que recogen las correrías y desventuras del gaucho Inodoro Pereyra. Publicadas desde 1972 en revistas de humor y, regularmente, en el periódico Clarín, las historias de Pereyra y su perro Mendieta fueron recopiladas en más de quince volúmenes. Una versión de dichas aventuras fue llevada al teatro en Buenos Aires en 1998, con un enorme éxito de público y de crítica. También las historias de Boogie el aceitoso se recogieron en doce volúmenes. Como literato, publicó numerosas recopilaciones de cuentos: El mundo ha vivido equivocado (1982), No sé si he sido claro (1986), Nada del otro mundo (1987)... Su dedicación al relato breve se intensificó en sus últimos años: El mayor de mis defectos (1990), Los trenes matan a los autos (1992), Uno nunca sabe (1993), La mesa de los Galanes (1995), Una lección de vida (1998), Te digo más... (2001), Usted no me lo va a creer (2003) y El rey de la milonga (2005). Muchos de estos relatos, de innegable sabor popular, tienen por escenario el bar El Cairo, un establecimiento real entre cuya clientela era fácil encontrar, un día cualquiera, al Negro Fontanarrosa. Este conjunto narrativo es una completa antología de singularidades humanas, conductas y situaciones que van desde la parodia delirante al trazo más fino y certero. Escribió además algunas novelas, entre las que destacan Best Seller (una imaginativa y lúdica recreación de la peripecia de un mercenario sirio cuyo nombre da título a la obra), El área 18 y La gansada. Aquejado de una enfermedad neurológica, en enero de 2007 Fontanarrosa anunció a sus lectores que su dolencia le impediría continuar dibujando con su propia mano, por lo que, a partir de aquel momento, contaría para poner en imágenes sus ideas con la colaboración de otros dibujantes, como Negro Crist (Cristóbal Reinoso) u Óscar Salas. El 19 de julio de ese mismo año, Fontanarrosa falleció en Rosario, su ciudad natal, a consecuencia de esta enfermedad.




jueves, 17 de julio de 2014

Fohat I Claudio Tomassini Pinturas








































Fohat es una palabra tibetana que designa uno de los dos conceptos más importantes de la Cosmogénesis Esotérica. Tenemos su correlato en el Eros de la Mitología Esotérica, en el Apam-Napta (“Hijo de las Aguas”) de los Vedas y del Ahura- Mazda, en el Daiviprakriti de las Escuelas Filosóficas Hindúes, particularmente de Samkhya, y en Toom y Khepera del antiguo Egipto.

 “Fohat es una cosa en el Universo aún no manifestado y otra cosa en el mundo fenomenal y cósmico”

En lo  Inmanifestado

 En lo inmanifestado, o sea, antes de la formación de Cosmos objetivos, Fohat está latente y coeterno con Parabrahman y Mulaprakriti (Para: más allá de ; Brahman: el Ser Cósmico) es la Consciencia Absoluta (o la Inconsciencia Absoluta de cualquier cosa en particular). Mulaprakriti (Mula: raiz; Prakriti: naturaleza, sustancia) es la raiz pre-cósmica de la sustancia universal, la naturaleza caótica antes de la organización del Cosmos Movimiento Absoluto, Fuerza Absoluta de Unión (entre) Consciencia y Sustancia, Fohat mantiene absolutamente unidos Parabrahman y su voz Mulaprakriti. Movimiento Absoluto en el (No)Ser Absoluto, une sin unir (pues nada existe separado), de la misma manera que se mueve sin moverse. Sin embargo, siendo Fohat el “incesante poder destructor y formador” , que simultáneamente une y separa, conecta y desconecta; siendo Fohat el deseo creador (que en el dominio cósmico es Kama-Eros) que impele a la manifestación, de su Todo Ilimitado (en sí mismo, Inmanifestado), cíclicamente  él aparta los prototipos del Padre y de la Madre, del Pensamiento y de la Materia, de la Subjetividad y de la Objetividad (Intra)Cósmicas, Parabrahman y Mulaprakriti –que como tales, son (simultáneamente) Padre-Madre , Pensamiento-resultado del Pensamiento, Sujeto-Objeto.

En lo Manifestado

 Entonces Fohat se convierte en el Rayo Divino de inagotable potencia creadora que inserta el Pensamiento Absoluto (ParaBrahman) en el seno de la proto-Madre (Mulaprakriti). El se vuelve de Hijo en Esposo (proceso que encontramos en las más diversas mitologías). El proceso que dará lugar a la construcción del Cosmos, se inició, como el despertar del hasta entonces latente Primer Logos. “Al principio, durmiendo en el seno de Mulaprakriti es entonces su Hijo. Al despertar se vuelve su Esposo y el ‘Padre Oculto’, manando la energía universal llamada Shekinat en la Cábala y Daiviprakriti en el Bhagavad Gita” . El Primer Logos sirve solamente como un centro transmisor de fuerza , la Luz del Logos, cuya fuente es Parabrahman. Y éste último, “habiendo aparecido por un lado como el Ego (sujeto activo consciente) y por otro como Mulaprakriti, actúa como la energía a través del Logos . Esta energía, la Luz del Logos (o Verbo de Parabrahman), es Fohat-Daiviprakriti.

Comienza a establecerse la dualidad Espíritu-Materia, Padre-Madre, Purusha-Prakriti . El Segundo Logos es justamente explicado así en la Doctrina Secreta: “Espíritu-Materia, Vida; o ‘Espíritu del Universo’; Purusha y Prakriti”.

 Continuamos citando la Doctrina Secreta de Helena Blavatsky, ilustrando lo que escribimos anteriormente, y abriendo camino para lo que seguirá:

 “Así como la Ideación Pre-Cósmica es la raiz de toda la consciencia individual, así también la Sustancia Pre-Cósmica  es el sustrato de la materia de nuestros diversos grados de manifestación.

 De ahí resulta que el contraste de esos dos aspectos de lo Absoluto es esencial para la existencia del Universo manifestado. Aislada de la Sustancia Cósmica, la Ideación Cósmica no podría manifestarse como consciencia individual; pues solo por medio de de un vehículo (Upadhi) de materia es como la consciencia emerge como ‘Yo soy Yo’, siendo necesaria una base física para concentrar un Rayo de la Mente Universal de cierto grado de complejidad. Y a su vez, separada de la Ideación Cósmica, la Sustancia Cósmica no pasaría de una abstracción vacía, y ninguna manifestación de consciencia podría surgir.

 El Universo Manifestado se halla, por tanto, informado por la dualidad, que viene a ser la esencia misma de su Ex-istencia como manifestación. Sin embargo, así como los polos opuestos de Sujeto y Objeto, de Espíritu y Materia, no son más que aspectos de la Unidad Una, que es su síntesis, así también en el Universo Manifestado existe ‘algo’ que une el Espíritu a la Materia, el Sujeto al Objeto”.

 La asunción nítida de la dualidad o diferenciación entre Ideación y Sustancia marca la transición del Segundo Logos hacia el Tercer Logos, dos momentos de manifestación cósmica. En la Doctrina Secreta se dice sobre el Tercer Logos: “La Ideación Cósmica; Mahat o Inteligencia, el Alma Universal del Mundo; El Numen Cósmico de la Materia, la base de las operaciones inteligentes de la Naturaleza”. Esto es: tenemos por un lado, el Diseño, la Arquitectura del Universo (la Ideación Cósmica), y por otro lado, la sustancia donde la obra, de acuerdo con las Ideas contenidas en la Mente Cósmica, se va a objetivar –siendo esa sustancia por consiguiente “la base de las operaciones inteligentes de la Naturaleza”. Numéricamente (como causa ideal), la sustancia es mental, conforme al postulado hermético: “El Universo es Mental”.

La sociología como una forma de arte Las fuentes de la imaginación sociológica Robert Alexander Nisbet

Conviene insistir en dos puntos: primero, la base moral de la sociología moderna; y segundo, el marco intuitivo o artístico en que se han alcanzado las ideas centrales de la sociología.

Las grandes ideas de las ciencias sociales tienen invariablemente sus raíces en aspiraciones morales, por abstractas que las ideas sean a veces, por neutrales que parezcan a los teóricos e investigadores, nunca se despojan, en realidad, de sus orígenes morales. Esto es particularmente cierto con relación a las ideas de que nos ocupamos en este libro. Ellas no surgieron del razonamiento simple y carente de compromisos morales de la ciencia pura. No es desmerecer la grandeza científica de hombres como Weber y Durkheim afirmar que trabajaban con materiales intelectuales valores, conceptos y teorías que jamás hubieran llegado a poseer sin los persistentes conflictos morales del siglo XIX. Cada una de las ideas mencionadas aparece por primera vez en forma de una afirmación moral, sin ambigüedades ni disfraces. La comunidad comienza como valor moral, y sólo gradualmente se hace notoria en el pensamiento sociológico del siglo la secularización de este concepto. Lo mismo podemos decir de la alienación, la autoridad, el status, etc. Estas ideas nunca pierden por completo su textura moral. Aun en los escritos científicos de Weber y Durkheim, un siglo después de que aquéllas hicieran su aparición, se conserva vívido el elemento moral. Los grandes sociólogos jamás dejaron de ser filósofos morales.

¡Y jamás dejaron de ser artistas! Es importante tener presente contra un cientificismo vulgar, que ninguna de las ideas que nos interesan -ideas que siguen siendo, repito, centrales en el pensamiento sociológico contemporáneo- surgió como consecuencia de lo que hoy nos complace llamar "razonamiento para la resolución de problemas". Cada una de ellas es, sin excepciones, resultado de procesos de pensamiento -imaginación, visión, intuición-- que tienen tanta relación con el artista como con el investigador científico. Si insisto en este punto, es solo porque en nuestra época, los bien intencionados y elocuentes maestros de la sociología (y también de otras ciencias sociales), recalcan con demasiada asiduidad que lo que es científico (¡Y por consiguiente importante!) en su disciplina, es únicamente consecuencia de poner la razón al servicio de la definición y resolución de problemas.

¿Quién se atreve a pensar que las Gemeinschaft y Gessellschaft de la tipología de Tönnies, la concepción weberiana de la racionalización, la imagen de la metrópoli de Simmel, y la idea sobre la anomia de Durkheim provengan de lo que hoy entendemos por análisis lógico-empírico? Formular la pregunta implica ya conocer la respuesta. Estos hombres no trabajaron en absoluto con problemas finitos y ordenados ante ellos. No fueron en modo alguno resolvedores de problemas. Con intuición sagaz, con captación imaginativa y profunda de las cosas, reaccionaron ante el mundo que los rodeaba como hubiera reaccionado un artista, y también como un artista, objetivando estados mentales íntimos, sólo parcialmente conscientes.

Tomemos, a titulo de ejemplo, la concepción de la sociedad y el hombre subyacente en el gran estudio de Durkheim acerca del suicidio. Se trata, en lo fundamental, de la perspectiva de un artista, tanto como la de un hombre de ciencia. El trasfondo, los detalles y la caracterización se combinan en una imagen total iconística por su captación de un orden social completo. ¿Cómo logró Durkheim esta idea rectora? De algo podemos estar seguros: no la encontró examinando las estadísticas vitales de Europa, como hubiera sucedido si se aplicara a la ciencia la fábula de la cigüeña; tampoco Darwin extrajo la idea de la selección natural de sus observaciones durante el viaje del Beagle. La idea, así como el argumento y las conclusiones de El suicidio ya estaban en su mente antes de examinar las estadísticas. ¿De dónde, pues, la obtuvo? Sólo cabe especular al respecto. Pudo haber arribado a ella en sus lecturas de Tocqueville, quien a su vez tal vez la dedujo de Lamennais, quien es posible que la tomara de Bonald o Chateaubriand. O quizás provino de una experiencia personal; de algún recordado fragmento del Talmud, de una intuición nacida de su propia soledad y marginalidad, una migaja de experiencia parisiense. ¿Quién puede saberlo? Pero una cosa es cierta: la fecunda combinación de ideas que hay detrás de El suicidio -de la cual seguimos extrayendo provecho en nuestras empresas científicas- se alcanzó de una forma más afín con los procedimientos de un artista que con los del procesador de datos, el lógico o el tecnólogo.

No es muy diferente lo que ocurre con las ideas y perspectivas de Simmel, el más imaginativo e intuitivo de los grandes sociólogos, y en más de un sentido. Sus descripciones del miedo, del amor, los convencionalismos, el poder y la amistad, exhiben la mentalidad de un artista-ensayista. Y no constituye distorsión alguna de valores ubicarlo junto a maestros como Platón o Montaigne. Si eliminamos su visión artística de sus análisis de lo extraño, la díada y el rol del secreto habremos eliminado todo lo que le da vida. En Simmel hay esa maravillosa tensión entre lo estético concreto y lo filosófico general propio de las grandes obras. El elemento estético es lo que hace imposible la absorción de su material sociológico por medio de una teoría sistemática y anónima. Uno debe retornar al propio Simmel para dar con el concepto real. Al igual de lo que sucede con Darwin y Freud, siempre es posible deducir del hombre mismo algo importante que ninguna formulación impersonal de la teoría social permite entrever.

Nuestra relación con estas ideas y sus creadores es semejante a la que vincula al artista con sus predecesores. Del mismo modo que el novelista siempre aprenderá algo nuevo al estudiar Y reestudiar a Dostoievski o James -un sentido del desarrollo y la forma, y el modo de extraer inspiración de una fuente fecunda- también el sociólogo aprende permanentemente al releer a hombres como Weber y Simmel.

Este es el rasgo que diferencia a la sociología de algunas ciencias físico-naturales. Lo que el físico joven puede aprender, aun de un Newton, tiene un límite. Una vez entendidos los puntos fundamentales de los Principia, es poco probable que su relectura le ofrezca, como físico, mucho más (aunque podría extraer nuevas ideas de ellos como historiador de la ciencia). ¡Cuán diferente es la relación del sociólogo con un Simmel o un Durkheim! La lectura directa será siempre provechosa, siempre dará como resultado la adquisición de una información fecunda, capaz de ensanchar los horizontes del lector. Proceso semejante al del artista contemporáneo que se enfrasca en el estudio de 1a arquitectura medieval, el soneto isabelino o las pinturas de Matisse. Tal es la esencia de la historia del arte, y la razón de que la historia de la sociología sea tan diferente de la historia de la ciencia.



Flores Claudio Tomassini Pinturas









































Acuarela 

Mujer Dispersa (Arte Digital) Claudio Tomassini


Carmen Cuesta

Madrileña de nacimiento, Carmen Cuesta es una de las cantantes con más "gusto" a la hora de interpretar bossa nova, el estilo en el que más y mejor se desenvuelve, siempre bajo el irresistible influjo de aquellas "mágicas" grabaciones que realizaron en los 60' el saxofonista Stan Getz y la cantante Astrud Gilberto. A finales de los 50', grupos de estudiantes procedentes de Copacabana e Ipanema, introdujeron este "ritmo nuevo" en las playas de Rio de Janeiro. Covertido en género musical, fueron los compositores Antonio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes, Joao Gilberto, Dorival Caymmi o Marcos Valle, entre otros, los encargados de poner letra y música a el/la bossa. Carmen, de niña, quedó "marcada" por esta forma de concebir la música, bajo la influencia del samba, pero reduciendo drásticamente sus decibelios. Su primera trayectoria, se remonta a su participación en en los musicales "Godspell" o "El Diluvio Que Viene".
El año 79, en una inolvidable actuación del saxofonista Stan Getz en Madrid, conoce a Chuck Loeb, guitarrista del grupo y establecen una relación sentimental que, con el paso de los años, se ha convertido también en una fructífera relación profesional. Ya en Nueva York y con el inestimable apoyo de Chuck, Carmen empieza a grabar discos en los que siempre han participado algunos de los mejores músicos de jazz contemporáneos: Bill Evans, Bob James, Michael Brecker, John Patitucci, Will Lee y muchos más. El año 2008 y cumpliéndose el cincuentenario del "nacimiento" de la bossa nova, realiza una gira por Estados Unidos para celebrar tan importante acontecimiento. El grupo está formado por Chuck Loeb (guitarra), Eric Marienthal (saxo), Will Lee (bajo), el percusionista brasileño Café y Carmen como cantante. La idea de poder grabar un disco sobre la base de esta experiencia, se convierte en realidad con "Mi Bossa Nova", su quinto disco. El álbum, de carácter temático, está dedicado en gran medida a resaltar su admiración por Antonio Carlos Jobim, al que dedica una composición propia ("Jobim"), sin excluir otros "clásicos" de la música brasileña como "O Barquinho" (Boscoli/Menescal) o ""Manha De Carnaval" (Bonfa/ De Moraes). En el repertorio del disco, figuran canciones que, compuestas por Jobim, han sido la clave para que la bossa nova haya llegado hasta nuestros dias con la misma frescura con la que nació allá por los 50' ("Triste", "Fotografía", "Chega De Saudade" o "Meditaçao").

http://www.vivejazz.net/2011/07/mi-bossa-nova-carmen-cuesta.html

miércoles, 16 de julio de 2014

Claudio Tomassini Pinturas


Morcheeba

Morcheeba es una banda británica que mezcla influencias de trip hop, blues y pop. A mediados de 1990, los hermanos Godfrey (el DJ Paul Godfrey y el multi-instrumentalista Ross Godfrey) se unieron a Skye Edwards como vocalista. Cinco álbumes más tarde, en el 2003, Edwards dejó la banda. En el 2005 Morcheeba grabó otro álbum junto a Daisy Martey (anteriormente parte de la banda Noonday Underground) para reemplazar a Edwards como vocalista. La voz de Edwards se había vuelto una parte integral del sonido de Morcheeba, y la nueva cantante tuvo que afrontar duras críticas tanto de parte de los fans como de los críticos de música. En los últimos shows en vivo los hermanos Godfrey habían reemplazado a Martey con otra vocalista, Jody Sternberg. En 2009, Skye Edwards retornó a la formación, y desde entonces ha lanzado dos nuevos discos con ella: Blood Like Lemonade y Head Up High.




Daniela Andrade

Nueva maravilla soft. Guitarra, voz, micrófono y ya tenemos todo lo que podamos esperar de una canción en cuanto a dulzura.
Las casi 900,000 visitas de su cover de Creep lo convierten en su estrella, pero es que da igual lo que oigas de ella ya que a todo le imprime ese estilo suave y calmado que la caracteriza como artista. De More Than Words al Fly Me To The Moon, la joven nos da auténticos recopilatorios de lo que es creación de imagen a través del cover.
Además, demuestra no encerrarse, interpretando canciones de artistas tan distantes como Los Beatles, OutKast, Marta Gómez, Jose Luis Perales o ABBA.

martes, 15 de julio de 2014

Agrupados (Arte Digital) Claudio Tomassini




Raymond Charles Jack LaMontagne


Raymond Charles Jack LaMontagne, (nacido el 18 de junio de 1973), es un cantante y compositor estadounidense. LaMontagne ha publicado cuatro álbumes de estudio, Trouble, Till the Sun Turns Black, Gossip in the Grain and God Willin' & the Creek Don't Rise.. Nació en New Hampshire y los críticos han comparado la música de LaMontagne a la de The Band, Van Morrison, Nick Drake y Tim Buckley. Vive en Massachusetts con su esposa y dos hijos.
LaMontagne se inspiró para comenzar su carrera como cantante y compositor después de escuchar el album Manassas, de Stephen Stills. LaMontagne comenzó a componer en 1999, mientras trabajaba a tiempo parcial como profesor particular, y en el verano del mismo año grabó 10 canciones para un álbum de presentación que fue enviado a diversos locales de la escena músical, siendo contratado por el Oddfellow Theatre, de Maine, como telonero de John Gorka y Jonathan Edwards.

En 2005 actuó en dos eventos de solidaridad, para las víctimas del huracán Katrina y en el "Warren Haynes Christmas Jam".

La canción "You Are The Best Thing" fue incluida en la película "Te amo, hombre" y en la serie de televisión "One Tree Hill". LaMontagne participó en Saturday Night Live en marzo de 2009. Las canciones "Sarah" y "I Still Care For You" aparecieron en la serie de televisión House. Su canción "Let It Be Me" fue incluida en la banda sonora de la serie de televisión "Parenthood" en 2010. También fue utilizada en un episodio de la sexta temporada de la serie "Criminal Minds", titulado "JJ".

LaMontagne actuó en el programa "Live from Abbey Road", en octubre de 2006. En agosto de 2010 se presentó en un evento de solidaridad en Nashville, TN, para recaudar dinero para las víctimas de una inundación local. La canción "Empty" se escuchó en un episodio de "Law & Order". En 2010 sonó durante los créditos de la película "The Conspirator". También apareció en "El destacamento", película de Tony Kaye, y en "VH1 Narradores" en 2011. Contó la historia de cómo su apreciada y costosa guitarra fue destruida por su esposa cuando regresó de una gira, lo que le hizo reconsiderar sus prioridades.

En 2011, Ray interpretó a dúo con la cantante irlandesa Lisa Hannigan la canción "O Sleep", una de las canciones de su album Passenger, nominado al Music Award.


LaMontagne tiene un estilo vocal único, que según él es creado por el canto a través de su intestino en vez de dirigirlo por la nariz. Cita a Stephen Stills, Richard Manuel y Rick Danko como fuertes influencias musicales mientras que los críticos han comparado la música de LaMontagne a la de The Band, Van Morrison, Nick Drake y Tim Buckley.


Fugaces (Arte Digital) Claudio Tomassini


CocoRosie

CocoRosie es un grupo franco-estadounidense Indie formado en el año 2003. Se trata de un dúo formado por las hermanas Bianca (Coco) y Sierra (Rosie) Casady, que produce música mezclando estilos tan variados como son el canto lírico, gospel y pop lo-fi.

El grupo Cocorosie es francés, pero Sierra, la mayor, nació en Iowa, y Bianca en Hawai. Su madre las llamaba Rosie y Coco respectivamente, y de ahí tomaron sus nombres artísticos. Ambas crecieron separadas y no fue hasta el 2003 que se encontraron en París, cuando comenzaron su andadura artística.

Estilísticamente se encuentran dentro del indie rock o el folk experimental asociándolas en ocasiones con el movimiento "New Weird America".

Sierra toca la guitarra, el piano, el arpa, canta (a menudo como soprano) y baila. Bianca canta en un falsete peculiar, es la encargada de los sonidos extra, el grupo suele incluir también diferentes sonidos de objetos como sonajeros y juguetes con sonidos de animales, flautas chinas, radiograbadoras, etc. para dar forma personal a su sonido.

Su primer álbum, La Maison de mon rêve, inclasificable, fue grabado en el barrio parisino de Montmartre en su cuarto de baño debido a que la acústica era mejor que en las otras habitaciones. Aprovecharon los ruidos de su entorno, lo que produce una sensación onírica. En un ambiente psicodélico y champagne.

El segundo álbum, Noah's Ark, salió en el año 2005 y se realizó con la colaboración de varios de sus amigos con gran talento de la escena indie-pop-rock. Así pues, Antony Hegarty (del grupo Antony and the Johnsons) hizo una aparición digna de mención en el tema Beautiful Boyz. También aparece el nuevo líder de la corriente new-old-folk Devendra Banhart en el tema Brazilian Sun. También aparece en el álbum la magnífica interpretación del rapero francés Spleen en el tema Bisounours.

Por su parte, Sierra Casady abre un paréntesis en esta colaboración en 2006 con la creación del grupo Metallic Falcons con Matteah Baim (el jefe de la discográfica Voodoo-Eros). También hace algunas apariciones con amigos, entre las que destacan las de Antony y Devendra Banhart.

En 2007, con la salida de su tercer álbum The Adventures of Ghosthorse and Stillborn, las hermanas Casady se abren a nuevas experiencias y nuevas influencias, conocen nuevos ritmos como el Hip-hop, donde cuenta con la colaboración de su amigo y beatboxer, Tez. Bajo la forma de un cuento (Wee Willie Winkie, un personaje que siempre andaba en pijama y que era su ídolo durante la adolescencia), Sierra y Bianca se convierten Bloody Twins. Este álbum evoca también ciertos aspectos de la sociedad contemporánea, como el tema Japan, en el que las artistas de procedencia estadounidense, destacan la situación en Irak. Por otro lado, durante su paso por la capital francesa, en Grand Rex, el día de la presentación del álbum, sonó el himno estadounidense un poco distorsionado antes de comenzar con Rainbowarriors. Devendra Banhart, amigo personal de Bianca, vuelve a colaborar con ellas en este álbum como compositor del tema Houses.

Su single God Has a Voice, She Speaks Through Me fue el último lanzado bajo el sello de Touch & Go Records. Corresponde a un disco vinilo de 7" de edición limitada. En la canción se aprecia con un tinte más electrónico que en los discos anteriores, alejándose un poco de su estilo.

El EP Coconuts, Plenty of Junk Food es una producción propia que sólo fue vendida en los conciertos de fines del año 2009. Las canciones siguen la tendencia de su producción anterior, con más uso de elementos del género electrónico, sobre todo si se contrasta con su primer disco. Cabe destacar que en ese año realizaron una gira por Estados Unidos, su país natal, donde no habían estado en un buen tiempo.

Han sacado un nuevo disco en 2010.  El disco lleva por nombre Grey Oceans, y ha sido lanzado el 11 de mayo bajo el sello Sub Pop Records. Según las hermanas Casady, es el cierre de un proceso, no se trata de un regreso al estado inicial de su carrera, sino de un regreso a un sonido más acústico.


lunes, 14 de julio de 2014

Claudio Tomassini Pinturas


Agnes Obel

Agnes Obel es una artista danesa, nacida en Copenhague, que reside en Berín. Su exquisita voz la acompaña generalmente con piano y violoncello, produciendo melodías intimistas y un tanto melancólicas. 
De niña aprendió a tocar el piano. Ya en su adolescencia Obel fundó la banda Sohio en su Conhague natal, junto con el músico y productor danés Elton Theander.
Su primer single, «Just So» lo grabó en el dormitorio de su casa y luego fue tomado para una campaña publicitaria de T-Mobile.
En 2010 lanza su álbum Philarmonics donde se destacan «Falling Catching» y «Riverside» entre otros temas propios y el cover de John Cale «Close Watch». 

En 2011 sus temas «Riverside» y «Avenue» pudieron ser escuchados en algunos capítulos de la serie «Revenge» de la cadena ABC.
Si bien su estilo es muy personal, se la puede asociar a artistas como Tori Amos o en ciertas ocaciones a PJ Harvey, Roy Orbison, Sonic Youth y Eric Satie, aunque sus referencias pueden llegar a la cinematografía de Hitchcock.

Discografía

Riverside (EP) (2010)
1. Riverside
2. Close Watch
3. Sons And Daughters

Philarmonics (2010)
1. Falling Catching (1:35)
2. Riverside (3:50)
3. Brother Sparrow (4:00)
4. Just So (3:36)
5. Beast (3:52)
6. Louretta (2:07)
7. Avenue (4:08)
8. Philharmonics (3:35)
9. Close Watch (4:04)
10. Wallflower (2:27)
11. Over the Hill (2:50)
12. On Powdered Ground (4:10)

Oliver Mtukudzi

Antes que Oliver Mtukudzi se convirtiera en una estrella internacional, en Zimbabwe -su país natal- ya había grabado una cantidad importante de discos en más de veinte años de carrera, algunos de los cuales lograron la categoría de best-sellers. Durante todos estos años, Tuku (como lo llama su legión de fans) ha demostrado su capacidad como productor, arreglador, compositor y cantante, creando nuevas maneras de hacer música e innovando sobre su propio estilo, a tal punto que, por estas razones, a su música le ha valido la etiqueta «Tuku Music» 

Sus orígenes en la música se remontan a 1977, cuando Tuku se unió a la legendaria Wagon Wheels. En aquella banda tocaba Thomas Mapfumo, pionero del chimurenga, género musical inspirado en el sonido del mbira (una especie de piano pequeño tocado con los pulgares), el cual influenció la carrera de Tuku.

Tras haber grabado exitosos discos con la Wagon Wheels, Mtukudzi convocó a miembros de esta agrupación para armar su proyecto en solitario. The Black Spirits pasó a ser la banda que, hasta la actualidad, lo ha acompañado a lo largo de su carrera.

En 1980, durante el proceso por el cual Zimbabwe obtuvo su independencia, Mtukudzi y sus músicos produjeron «Africa», uno de los álbumes más importantes de su época. Dos canciones de este disco rápidamente se convirtieron en grandes sucesos: «Zimbabwe» y «Mazongonyedze».

Desde entonces, la carrera discográfica de la banda ha sido intensa y profusa, lanzando en muchas oportunidades dos discos por año.

http://www.lastfm.es/music/Oliver+Mtukudzi


Claudio Tomassini Pinturas


domingo, 13 de julio de 2014

Laurie Anderson

Laurie Anderson es una de las artistas del mundo del art rock más destacadas de las últimas dos décadas. Discos como "Big Science", "Mister Heartbreak" o "Home Of The Brave" y sus relaciones con artistas tan importantes dentro de la vanguardia como Bill Laswell, Brian Eno, Adrian Belew y Peter Gabriel, la convierten en una de las personalidades femeninas claves para entender el desarrollo de una música arriesgada, experimental y muy distinta al new wave, el heavy metal y otras corrientes que a principios de los 80 eran las más populares.

El inicio de su carrera se remonta a 1981, cuando alcanzó el éxito con el sencillo 'O Superman'. De ahí en adelante siguió participando en distintas ramas del espectáculo más allá de la música como la danza, el cine y la escritura, lo que la otorga un plus importante a su vida artística que destaca por su versatilidad y destreza en estos distintos campos.

Nacida en Chicago el 5 de junio de 1947 y luego de estudiar violín cuando sólo era una adolescente y posteriormente licenciarse en historia y escultura, Anderson comenzó a participar en distintos eventos culturales en museos y festivales de arte en Estados Unidos y Europa, siempre ligando la música con las artes visuales, como lo hizo en la obra de 1980 "Born, Never Asked".

Un año después lanzó junto a 110 Records el ya mencionado 'O Superman', que era un corte de once minutos con algunos toques electrónicos y partes habladas, que le permitió ser contratada por el sello Warner para editar su impresionante álbum debut. Éste finalmente salió al mercado en 1982 con la pieza maestra "Big Science" y fue el primero de una larga trayectoria junto a ese sello. Ese mismo año participó en la performance "United States", espectáculo que registraría en 1984 durante una presentación en vivo.

En 1984 grabó "Mister Heartbreak", junto a músicos como Bill Laswell, Nile Rodgers, Roma Baran y Adrian Belew, que se transformó en un gran éxito, situándose en el Top 100 en Estados Unidos. Asimismo, en 1986 participó en el soundtrack "Home of the Brave" y posteriormente junto al músico Jean Michell Jarre en su álbum "Zoolook" de 1984.

A partir de 1985, Anderson se dedicó a participar en distintas giras y festivales, por ejemplo aquellos que se realizaban para ayudar a los enfermos de SIDA u otros de carácter cultural, por lo que sólo en 1989 es posible encontrar una nueva producción de Laurie, ésta fue "Strange Angels", que le permitió seguir en gira durante todo ese año. Posteriormente, siguió recorriendo el mundo con distintas performances, como "Empty Places" en 1990; "Voices From The Beyond" en 1991 y "Stories From the Nerve Bible" en 1993, que la llevó a presentarse en ciudades como Jerusalem y Tel Aviv.

En 1994, lanzó junto a Brian Eno como productor, "Bright Red", disco que además contaba con la colaboración de su pareja, el gran músico Lou Reed. Sin embargo, durante los siguientes años se mantuvo presentando "Stories From the Nerve Bible" y la producción teatral "Songs and Stories From Moby Dick"; ésta última permitió que Anderson grabara en el 2001, su primer disco desde "Bright Red" y el primero junto a su nueva compañía Nonesuch Records, pues la idea original de la artista norteamericana era registrar esta obra, pero finalmente sólo tres composiciones de ella fueron incluidas en lo que sería una nueva placa, simplemente llamada "Life On A String" (2001), en la cual se agregaron nueve nuevas composiciones.

El álbum, además de Laurie en el violín, presenta nuevamente a Lou Reed entre sus invitados y además contó con la colaboración del bajista Skuli Sverrison, quien compuso y co-escribió junto a Anderson buena cantidad del material que finalmente fue editado.



sábado, 12 de julio de 2014

Claudio Tomassini Pinturas


Benjamin Clementine

Benjamin Clementine es un cantante y compositor originario de Edmonton, Londres, aunque a los 20 años se trasladó a París, donde durante un tiempo práctico la áspera rutina de dormir en las estaciones del metro de la ciudad. La triste historia se plasma en su música, llena de sentimientos, soledad, y un firme malestar interno. Su canción debut, “Cornerstone“, es un mensaje que persigue sus traumas a lo lejos, una balada muy sentimental construida por un melancólico piano cuyo camino se dirige directamente al intestino, y que decir de la voz tan pulcra y conmovedora.. Se permite llorar.